Diseño Gráfico

Contemporáneo
Compilador:
Lic. Mónica González Mothelet

      
 Índice

Índice 1
Introducción 2
Objetivo general 3

Tema 1. Los años sesenta, setenta y ochentas 4

Objetivo de aprendizaje 4
Introducción 4
1.1 Las utopías post-68: Visiones del futuro y del pasado. Ciencia / diseño 11
1.2 El contradiseño, disegno radicale, arquitecturas visionarias (1970 –
1975) 17
1.3 Del pop - art al post – modernismo: EEUU / Europa (1961 – 1980) 21
1.4 El efecto Memphis (1975 – 1990) 28
1.5 Neville Brody y la imagen alternativa de los 80’s 32
Resumen 34

Tema 2. El fin del siglo XX 36

Objetivo de aprendizaje 36
Introducción 36
2.1 Es retro – 30, bolidisti y el diseño de la Barcelona pre – olímpica (1980
– 1990) 38
2.2 El producto minimalista: Jasper Morisson (1985 – 1995) 38
2.3 Droog design: Diseño ecológico con poesía pragmática (1990 – 2000) 42
2.4 David Carson – surfing, provocación y video – tapes 4
2.5 Marc Newson: Tecno, nuevos materiales y club cultura: (1990 – 2000) 44
2.6 Estilos neo – retro, old – school, vintage – especial moda 47
2.7 Trash – art, neo – punk, el buen mal gusto: el anti – life – style 61
Resumen 71

Tema 3. Diseñadores actuales 73

Objetivo de aprendizaje 73
Introducción 73
3.1 Philippe Starck, Ettore Sottsass, Ross Lovegrove o Jonathan Ive 74
3.2 Influencia de otros campos artísticos y culturales en el diseño 78
3.2.1 Filosofía 79
Conclusión 86
3.2.2 Literatura 87
3.2.3 Artes escénicas 89
3.2.4 Cinematografía 90
Resumen 104

Bibliografía general 108

1
Introducción

El arte actual, desde las últimas décadas del siglo pasado, está en una situación
de transformación, tanto en el plano teórico como en el práctico. Como otros
aspectos de la sociedad, los criterios por los que se regía hasta ahora han
cambiado radicalmente. Entre los factores que han propiciado este cambio
podemos citar: el impacto de las nuevas tecnologías; la aparición de nuevos
medios electrónicos de expresión; la incorporación masiva de la mujer al ámbito
creativo; las nuevas formas de relación personal; la aceptación de la diversidad
socio-cultural; y el reconocimiento de la homosexualidad. Todo esto se refleja en
los temas que tratan los artistas y en los medios que utilizan. Todo vale con tal de
impactar o conectar con el público. Frecuentemente el artista abandona toda
reflexión intelectual en favor de la originalidad y la creatividad. Como dice Karl
Ruhrberg, "a veces, la distancia entre la ambición filosófica y teórica de una obra
de arte y la banalidad de su plasmación llega a ser tan grande que llega al
absurdo".

La pintura actual no escapa a esta situación. La distinción entre abstracción y

objetividad es ya algo anacrónico. Todo vale, desde la pintura estrictamente
conceptual y radical, hasta la "pintura por la pintura" más elemental y las
configuraciones eclépticas. No ha cristalizado ninguna tentativa innovadora y de
momento este tradicional medio artístico parece que está agotado.

Al fin del siglo XIX, el impresionismo efectúa una ruptura en los desarrollos
artísticos que se venían dando desde la Grecia de Pericles. Los impresionistas
renuncian a la función mimética del arte y proclaman una visión diferente. Ellos
abren la puerta a un sin fin de posibilidades expresivas. Después de ellos, nuevas
influencias permiten cambios de rumbo más frecuentes y menos predecibles que
los que la historia había registrado anteriormente con su alternancia de
clasicismos y reacciones.

De ahora en adelante, los descubrimientos y el progreso en todos los ámbitos

serán recogidos por los artistas que la evolución y la preocupación social dividen.
El arte del oriente había sugerido innovaciones, el de África invita a otras y los
eventos que marcan el siglo sugieren todavía otras. Poco a poco, hasta la función
estética del arte se pierde.

Una serie de movimientos se da muy pronto, contemporáneos y consecutivos al

impresionismo, los "Ismos": el simbolismo, el cubismo, el fauvismo, el art nouveau
o modernismo, el expresionismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo.

2
 Objetivo general

Al término del curso el estudiante analizará algunas tendencias en el diseño

industrial, gráfico y arquitectura desde los años setentas hasta la actualidad.
Tendencias que han influido en el diseño contemporáneo.

3
Tema 1. Los años sesentas, setentas y ochentas
Subtemas

1.1 Las utopías post – 68: Visiones del futuro pasado, ciencia/diseño
1.2 El contadiseño, disegno radicale, arquitecturas visionarias (1970 – 1975)
1.3 Del pop art al postmodernismo: EEUU/Europa (1961 – 1980)
1.4 El efecto Memphis (1975 – 1990)
1.5 Neville Brody y la imagen alternativa de los 80’s

Objetivo de Aprendizaje
Al término del tema el estudiante conocerá el contexto histórico del arte.

Introducción
El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas del siglo XIX como
reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra a
lo largo de esa centuria. El llamado estilo victoriano.

Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal
Palace de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se
sorprendían por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa.

De manera que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la

intuición de que era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida
cotidiana una cierta dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales
para las que eran fabricados.

Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar
la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas,
integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.

4
Primeras propuestas

Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos
o satisfechos con el nivel estético alcanzado por su poderosa industria, las
reacciones al recargado estilo dominante en la época se iniciaron a finales de la
década de 1840. A este respecto hay que destacar la obra de Henry Cole, que
editó el Journal of Design and Manufactures desde 1847.

5
Dos años después, en 1849, apareció la obra de John Ruskin, Las siete
lámparas de la arquitectura, una de las obras fundamentales de la crítica de arte
del siglo XIX, que ya en 1843 había comenzado a publicar una serie sobre
Pintores contemporáneos, y que en 1851-53 publicaría Las piedras de
Venecia.

Diseño de William Morris para un papel pintado

Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts experimentó un empuje

importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall,
Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company.

En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que

salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente
producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia
sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.

6
Principios del Arts & Crafts

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios
filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más
importantes:

¾ Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía

El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

¾ Rechazo de los métodos industriales de trabajo

Que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

¾ Propuesta de un regreso al medievalismo

Tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

¾ Propuesta de la arquitectura como centro

De todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el
racionalismo de principios del siglo XX.

¾ Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres

Siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

¾ Propuesta del trabajo bien hecho

Bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

William Morris, que tuvo una intensa vida pública como empresario, escritor,
poeta, diseñador y editor, además de como político socialista, es el miembro más
conocido del movimiento Arts and Crafts.

John Ruskin es su teórico más representativo. Autor de numerosos libros,

artículos y conferencias, llevó una vida pública muy activa y combativa.

Edward Burne-Jones es el ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera

más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista, poseen un estilo
muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por
Morris.

7
Dante Gabriel Rossetti también fue pintor y poeta. Sus modelos pelirrojas son
casi todas ellas variaciones de Jane Morris, la mujer de William Morris. Fue uno de
los miembros fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelistas, junto con
Holman Hunt y John Millais.

Proserpina, de D.G. Rossetti.

Aubrey Breadsley es uno de los ilustradores más famosos del diseño editorial de
finales del XIX, aunque su nombre traspasó las fronteras del XX. Murió antes de
cumplir 30 años y debe su fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos
frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas o líneas de
contraste.

8
La arquitectura

Philip Webb es considerado como el primer arquitecto del Arts and Crafts.
Construyó la "Casa roja" para William Morris, donde abandonó la simetría clásica
para buscar efectos plásticos y funcionales más próximos al gótico rural.

La "Casa roja", construida por Philip Webb para William Morris.

George Devey fue un arquitecto que diseñó más de veinte casas de campo
siguiendo las ideas de Ruskin y del Arts and Crafts. De él se ha dicho que tenía un
gran sentido del lugar en el que emplazaba sus edificios y un uso muy creativo de
los materiales.

Charles Rennie Mackintosh es uno de los grandes arquitectos y diseñadores del

siglo XX. Una de sus obras más conseguidas es la famosa Escuela de Arte de
Glasgow, pero además construyó bellísimas casas de campo y fue un consumado
acuarelista.

E. S. Prior fue muy valorado como arquitecto por la originalidad de sus plantas,
que a veces tienen forma de mariposa. De sus edificios se dice que poseen un
sentido simbólico, lleno de detalles constructivos.

9
Edwin Lutyens es uno de los arquitectos más reconocidos entre los que
concluyeron su formación en las décadas finales del XIX. Influido por Ruskin como
muchos de sus compañeros, construyó numerosas casas de campo de gran
originalidad y se embarcó después en diseños urbanísticos para la India. Sus
edificios alcanzan, en las mejores ocasiones, una fuerza y dimensión clásicas.

Frank Lloyd Wright es, para muchos, el más grande arquitecto americano y uno
de los más destacados de todos los tiempos. Su concepto de casa de campo así
como su filosofía "organicista" deben mucho al movimiento Arts and Crafts, que a
lo largo de su vida desarrolló hacia formas más industriales y modernas. Sus
obras poseen siempre una fuerte carga emocional y simbólica.

Artistas

Eric Gill es uno de los artistas más polifacéticos de la primera mitad del siglo XX.
Escultor, grabador, escritor y diseñador tipográfico, su obra está muy vinculada
con sus creencias religiosas y su sentido personal del arte. Para la Monotype
Corporation diseñó las tipografías Perpetua, Gill Sans Serif, Joanna y Pilgrim.

Acuarela de Larsson con su taller de pintura.

Carl Larsson es el artista más representativo de la filosofía Arts and Crafts fuera
de Inglaterra, ya que la adaptó al entorno escandinavo. Junto con su mujer, Karin,
reformó su casa de campo en una obra de arte llena de detalles arquitectónicos y
de un mobiliario original. Después la dio a conocer en una serie de libros de

10
acuarelas, en las que mostraba la vida hogareña del matrimonio con sus hijos, que
alcanzaron un éxito extraordinario.

Además de estos artistas de prestigio internacional, el apartado sobre obras

recoge muestras de la creatividad de otros muchos artistas y artesanos

1.1 Las utopías post 68, visiones del futuro y del pasado.
Ciencia / diseño
El orden preciso de los sucesos, así como la veracidad de los mismos, ha
generado una duda que no se ha podido responder a ciencia cierta. De alguna
manera, las visiones encontradas han permitido ir conformando el rompecabezas
de lo ocurrido el 2 de octubre de 1968.

Las crónicas publicadas en los periódicos nacionales un día después del suceso,
también difirieron en tendencias e incluso en cifras acerca de muertos y heridos.
No se ha podido establecer el número preciso de ellos, ni cuáles fueron los
verdaderos hechos.

Se luchó a balazos en ciudad Tlatelolco

Hay un número aún no precisado de muertos y veintenas de heridos

(Publicado el 3 de octubre de 1968, en el periódico Excélsior)

Un mitin convocado por el Consejo Nacional de Huelga en la Plaza de las Tres

Culturas fue dispersado ayer por el ejército y la policía, lo que originó un encuentro
a tiros que se prolongó más de una hora.

Docenas de personas resultaron heridas. Hay un número aún no determinado de

muertos.

Los hospitales de la Cruz Roja y de la Cruz Verde quedaron bajo control policiaco
desde las 21 horas. La orden fue dada por el general Raúl Mendoza Cerecero,
subjefe de la policía.

Entre los heridos está el general José Hernández Toledo, director de la ocupación
de Ciudad Universitaria. Su estado, se dijo en el Hospital Central Militar, es grave.
Recibió un balazo en el pecho.

11
Grupos de huelguistas, desde el tercer piso del edificio "Chihuahua", de la Unidad
Tlatelolco, dispararon contra soldados y policías. A las 21 horas varios edificios
habían sido totalmente ocupados por la tropa y se realizaban cateos en otros.

Antes de la orden policiaca, la Cruz Roja había informado haber atendido a

cincuenta heridos de bala, entre ellos cuatro militares y quince niños. Varios de
ellos están graves.

El mitin se inició a las 17:30 y empezó a ser dispersado a las 18:10. Una luz de
bengala, lanzada desde la torre del templo de Santiago, originó todo. No se sabe
cómo.

Quizá era una señal: tal vez, causó una confusión.

A partir de ese momento, los disparos surgían por todos lados: lo mismo de lo alto
de un edificio de la Unidad Tlatelolco, que de la calle donde las fuerzas militares,
en tanques ligeros y vehículos blindados, lanzaban ráfagas de ametralladora casi
ininterrumpidamente.

Mientras ocurría el tiroteo, todos los integrantes del Consejo Nacional de Huelga
fueron detenidos, entre los varios centenares que fueron llevados al Campo Militar
Número Uno.

Una fosa, donde existen huellas del pasado precortesiano, en la Plaza de las Tres
Culturas, frente a las cuatro veces centenario templo de Santiago Tlatelolco, fue
utilizada como "celda" provisional.

Algunos de los miembros del Consejo Nacional de Huelga fueron desnudados.

Frente al ex convento de Santiago Tlatelolco, cinco cadáveres fueron vistos por los
reporteros de Excélsior, tres mujeres y dos hombres.

Todo lo que es Unidad Tlatelolco fue cercada por soldados y policías. Los
generales Crisóforo Masón Pineda y José Hernández Toledo dirigían la maniobra,
seguidos del general Mendiola Cerecero, subjefe de la policía metropolitana.
Hernández Toledo cayó herido al empezar el fuego de los francotiradores.

Mucha gente quería salir de los edificios, otros querían entrar. La confusión era
general. Muchos se tiraban al pavimento, se retorcían, habían sido alcanzados por
las balas. Había mujeres histéricas, hombres que gritaban, niños que lloraban.

El 22 de julio se registró una pelea entre estudiantes de la Vocacional 2 y de la

preparatoria particular Isaac Ochoterena, en la Ciudadela. Al día siguiente, en
represalia, los estudiantes de preparatoria apedrearon la Vocacional 2. En este
enfrentamiento se ponía de manifiesto la antigua rivalidad que existe entre las
vocacionales, pertenecientes al Instituto Politécnico Nacional (IPN), y las

12
preparatorias incorporadas a la Universidad Nacional Autónoma de México
(UNAM).

El 26 de julio una manifestación de estudiantes que conmemoraba la Revolución

Cubana, se encontró con otra organizada por la Federación Nacional de
Estudiantes Técnicos (FNET), que protestaban por la intervención policíaca
durante la pelea entre alumnos de la Vocacional 2 y los estudiantes de
preparatoria. La manifestación fue reprimida duramente por la policía.

El 27 de julio, los estudiantes tomaron las preparatorias 1, 2 y 3 de la UNAM,

como una manifestación de protesta ante los enfrentamientos ocurridos entre
granaderos y estudiantes.

El 29 de julio la policía y el ejército rodearon planteles escolares de la

Preparatoria Nacional y del IPN, sobre todo en el centro de la ciudad. Con un
disparo de bazooka fue destruida una puerta colonial de la Preparatoria 1 (San
Ildefonso), muchos estudiantes resultaron heridos y hubo muchos detenidos.
Varios planteles de la Escuela Nacional Preparatoria fueron tomados por las
fuerzas públicas.

El 30 de julio, en la Ciudad Universitaria, el rector Barros Sierra izó la bandera

nacional a media asta y las transmisiones de Radio UNAM concluyeron temprano,
en señal de luto por los hechos de los días anteriores. La policía abandonó las
instalaciones de la Preparatoria 5.

El 1 de agosto el rector encabezó una manifestación que, desde CU, recorrió la

avenida Insurgentes hasta Félix Cuevas, dobló por ésta hacia avenida Coyoacán y
regresó por la avenida de la Universidad al punto de partida, concluyendo con un
mensaje del ingeniero Barros Sierra.

El presidente Gustavo Díaz Ordaz, en un discurso pronunciado en Guadalajara,

ofreció su "mano tendida" a quien quisiera estrecharla. Al día siguiente fue creado
el Consejo Nacional de Huelga (CNH), formado por estudiantes y maestros de la
UNAM, el IPN, las escuelas normales, El Colegio de México, Chapingo, la
universidad Iberoamericana, el colegio La Salle, y algunas universidades
estatales.

Para el 4 de agosto, el movimiento estudiantil ya había elaborado un pliego

petitorio que invalidaba el de la Federación Nacional de Estudiantes Técnicos
(FNET), y contenía los siguientes puntos:

¾ Libertad a los presos políticos

13
¾ Derogación de los artículos 145 y 145 bis del Código Penal Federal. (Instituían
el delito de disolución social y sirvieron de instrumento jurídico para la agresión
sufrida por los estudiantes)

¾ Desaparición del Cuerpo de Granaderos

¾ Destitución de los jefes policíacos

¾ Indemnización a los familiares de todos los muertos y heridos desde el inicio

del conflicto

¾ Deslindamiento de responsabilidades de los funcionarios culpables de los

hechos sangrientos.

El 13 de agosto, se realizó una gran manifestación -de alrededor de 150,000

participantes- al Zócalo, que partió del Museo Nacional de Antropología. Se
sumaron al movimiento estudiantes del Conservatorio Nacional y de la Normal
Superior. El CNH declaró que la FNET no representaba al estudiantado.

El 22 de agosto el gobierno declaró que tenía la mejor voluntad de dialogar con

representantes estudiantiles. Profesores y estudiantes respondieron
afirmativamente, siempre y cuando el diálogo se realizara en presencia de la
prensa, la radio y la televisión.

El 27 de agosto salió una manifestación de alrededor de 300,000 participantes,

desde el Museo de Antropología hasta el Zócalo, donde los estudiantes
permanecieron en la plaza e izaron una bandera rojinegra a media asta. En la
madrugada, quienes permanecieron allí fueron desalojados por el ejército. Al día
siguiente hubo un acto de desagravio a la bandera nacional, al que asistieron
trabajadores al servicio del Estado. Nuevo enfrentamiento con fuerzas públicas;
comandos del ejército se apostaron en las cercanías de la Ciudad Universitaria y
de Zacatenco.

El 1 de septiembre, el presidente rindió su cuarto informe de gobierno.

El día 7 de septiembre se celebró un mitin en Tlatelolco.

9 de septiembre: Javier Barros Sierra, rector de la UNAM, declaró: "nuestras

demandas institucionales han quedado satisfechas"

El 13 de septiembre tiene lugar la "marcha del silencio", una manifestación de

más de 250,000 personas, en donde todos iban en silencio para evitar que la
policía pusiera como pretexto la provocación por parte de los estudiantes.

14
El 18 de septiembre el ejército ocupó la Ciudad Universitaria; hubo detenidos.
Cabe señalar que las actividades de investigación y administrativas no habían
entrado a la huelga, así como algunas de difusión cultural. Sólo la actividad
docente permanecía interrumpida.

El 19 de septiembre, el rector protestó por la ocupación militar y encabezó una

manifestación, la primera en la que la rectoría de la UNAM apoyó explícitamente al
movimiento, la ocupación duró 12 días. La Cámara de Diputados, en voz de su
líder Luis Farías, atacó al rector Barros Sierra, quien presentó su renuncia, sin que
le fuera aceptada. La Junta de Gobierno le pidió expresamente que permaneciera
al frente de la Universidad Nacional Autónoma de México.

El 23 de septiembre se enfrentan las fuerzas del gobierno y los estudiantes en el

Casco de Santo Tomas, campus principal del IPN.

El día 27 de septiembre se realiza un mitin en la Plaza de las Tres Culturas, ahí

se invita a otro mitin que se llevará a cabo el 2 de octubre, en ese mismo lugar a
las cinco de la tarde.

El 1 de octubre se reanudaron las labores de investigación, administración y,

parcialmente, las de difusión cultural en la UNAM. El CNH decidió mantener la
huelga escolar.

La tarde del 2 de octubre de 1968, cuando la ciudad guardaba silencio, miles de

estudiantes salieron a la calle a protestar contra el autoritarismo gubernamental,
que se hacía presente en persecuciones, secuestros, torturas y asesinatos contra
quienes mostraban públicamente su rechazo. La Secretaría de Gobernación a
cargo de Luis Echeverría, respondió enviando al ejército y toda su estructura
policíaca para poner fin al prolongado conflicto.

El día 9 el CNH acepta la tregua Olímpica, ninguna manifestación del 12 al 28 de

Octubre.

El sábado 12 se inauguraron las Olimpiadas de México 68, bautizadas desde el

principio como las "olimpiadas de la paz", de ahí su logotipo.

El día 4 de diciembre los estudiantes regresaron a clases.

En el ámbito universitario proliferaba un radicalismo político. Los procesos de

descolonización avivaron el interés por el estudio de otras formas civilizadoras
distintas de la occidental, impulsando el desarrollo de la etnología y la
antropología. Fueron fundamentales para ello los estudios de Claude Lévi-Strauss
que le llevaron a plantear la irreductibilidad de la naturaleza humana. El punto
climático de este proceso se presentó en los movimientos estudiantiles europeos;

15
entre los que destaca el de Mayo del 68 en Francia donde se plantearon preceptos
claves para entender los sucesos de México en meses posteriores.

La liberalización de las costumbres fue el trasfondo del cambio de valores que se

generó en esta época. Especialmente en las relaciones entre sexos. La liberación
sexual caminó de la mano con el nuevo papel que las mujeres reivindicaban en la
sociedad. Su incorporación masiva al mundo del trabajo, puso en cuestión los
tradicionales roles asignados a la mujer como madre de familia y esposa, al
tiempo que comenzó a cultivar su autonomía e independencia; a reivindicar la
capacidad de decidir sobre su propio cuerpo y sexualidad. El control de la
maternidad fue determinante en este sentido (en 1960 se iniciaba en los Estados
Unidos la comercialización de la píldora anticonceptiva).

Hablamos propiamente del momento en que nace el movimiento feminista como

tal; marcando un cambio cualitativo respecto del discurso, el eco y apoyo social de
los movimientos sufragistas de principios de siglo. Se inician las campañas en
favor del divorcio, del derecho de aborto, de la igualdad de salarios; la no
discriminación por razones de sexo.

En términos generales el nuevo horizonte cuestionaba los planteamientos lineales

de la ideología del progreso; dando lugar a un contexto problemático, cargado de
ambigüedades, donde se fundía el malestar de las nuevas generaciones respecto
de los valores dominantes.

Los sucesos de 1968, tanto del mayo francés como de Checoslovaquia, dejaron
importantes secuelas en la izquierda occidental a corto y medio plazo. Los partidos
comunistas occidentales acentuaron el distanciamiento respecto de Moscú,
particularmente el Partido Comunista Italiano y el Partido Comunista Español.

Nuevos actores sociales emergieron al primer plano de la actualidad, los llamados

nuevos movimientos sociales: los jóvenes rebeldes, el feminismo, el ecologismo,
el pacifismo, el hippismo, entre otros.

Los movimientos sociales del 68 fueron frenados; "fracasaron" en el sentido de

que no lograron la sustitución radical del viejo orden. Esto respondió, a juicio de
los grupos izquierdistas, a la ausencia de una organización capaz de dirigir el
proceso revolucionario, en vista de la falta de acción de la izquierda tradicional. La
tarea del momento residía en construir el partido de la revolución. La frustración de
las esperanzas llevó a algunos, influidos por la mitificación de las luchas
guerrilleras de Latinoamérica, a postular estrategias de guerrilla urbana que
coadyuvaron, en varios países, a la formación de grupos terroristas, como las
Brigadas Rojas en Italia o el RAF -fracción del ejército rojo- en la República
Federal Alemana, durante la siguiente década. No muy diferente fue el proceso
que se vivió en nuestro propio país.

16
1.2 El contradiseño, disegno radicale, arquitectura visionarias
(1970 – 1975)
La historia provee un ambiente de angustia y la religión pierde importancia,
mientras las ideologías políticas ganan terreno. Lo anterior se refleja en temas
nuevos y en tratamientos controvertibles de estos.

La evolución tanto de la demografía como de la economía, proporcionan a la

sociedad, a pesar de todo, un mayor bien estar por lo que se da una redistribución
de la producción artística.

El ritmo del progreso tecnológico y la frecuencia de aparición de las novedades se

reflejan en la producción artística también. Esta, en efecto, encuentra
constantemente rumbos nuevos e inexplorados.

Nuevos materiales son explorados y adoptados.

La arquitectura se renueva mientras los caminos del arquitecto y del ingeniero se

alejan.

La abstracción, tanto en la pintura como en la escultura, corona la evolución

iniciada por los impresionistas.

El movimiento deja de ser una consideración abstracta expresada en forma

estática, se integra a la escultura

La arquitectura del siglo XX.

Art nouveau, modernismo, secesión y art déco pierden energía con la primera
guerra mundial, pero las innovaciones que han introducido se retoman en el
periodo posterior.

Diferencias esenciales distinguen la arquitectura contemporánea de la arquitectura

de siglos anteriores.

Los palacios ya están construidos y las pocas monarquías que quedan no tienen
necesidad de impresionar, construcciones equivalentes durante el siglo XX son las
que inciensan los regímenes políticos en el poder. En general, su valor artístico es
discutible.

Se siguen construyendo iglesias, pero se pierden en la cantidad de otros edificios

más utilitarios que los arquitectos erigen: bibliotecas, escuelas, hospitales, teatros,
estadios y sobre todo viviendas individuales o colectivas.

17
El precio del terreno urbano orienta hacia construcciones altas, estructuras
sólidas, métodos de construcción y materiales económicos. El mármol y la piedra
son lujos que han sido remplazados por el concreto armado, flexible al punto de
ser moldeable. El vidrio no tarda en ser adoptado también. Se concibe y se usa la
prefabricación. Simplificando al máximo, se puede considerar que la arquitectura
del siglo XX progresa en cuatro grandes etapas:

1. El Bauhaus y el racionalismo
2. El funcionalismo
3. El organicismo
4. El brutalismo.

Bauhaus y el racionalismo.

En 1919, en Weimar, se abre la escuela del "Bauhaus", "casa de la construcción",

a cargo de Walter Gropius (1883-1970). Durará hasta 1933.

La idea de los fundadores enfoca hacia la renovación de la arquitectura.

Para lograr su propósito deciden cambiar la educación de los arquitectos. En

Weimar y luego en Dessau, los estudiantes reciben una formación artística que
abarca varios ámbitos y estimulación de los sentidos. Los jóvenes además
aprenden un oficio y se inician en los misterios de la economía.

18
Varios de los maestros son pintores de vanguardia, como Klee y Kandinski,
quienes rechazan las ideas preconcebidas e invitan a experimentar, en particular
con los materiales.

Los arquitectos que pasan por la Bauhaus adquieren una consciencia social y el
sentimiento que su labor consiste primero en resolver problemas humanos.
Pretenden ser racionales, diseñan edificios, casas y objetos que favorecen un uso
práctico del espacio.

El Funcionalismo

El funcionalismo es un movimiento que nace del Bauhaus y se interesa para

armonizar la función y la construcción.

La figura líder del movimiento es Eduardo Jeanneret, "Le Corbusier".

Le Corbusier (1887-1965), Suizo, es funcionalista por excelencia. En su

vocabulario, la noción de maquina es importante. En efecto: para él, la casa es
"una maquina de vivir" y reconcibe la manera de construir.

Toma en cuenta 5 principios que considera básicos:

1. Fachadas libres,
2. Plantas libres,
3. Ventanas anchas de corte horizontal que dejen entrar la luz y el aire
4. Uso de pilotes que descargan los muros de su función de soporte
5. Existencia de una azotea.

19
Es prácticamente el inventor de la prefabricación. Sintetiza sus inquietudes
estéticas en la invención del "modulador", un nuevo uso de la proporción áurea
que subordina las medidas de los edificios a las medidas del hombre. Construye
edificios cuyo propósito es cumplir con una función y proyecta sus ideas a nivel de
la urbanización, donde integra las diferentes actividades humanas de manera
práctica y armoniosa. Escribe mucho para dar a conocer sus ideas.

Entre sus obras famosas se encuentran:

¾ La Villa Savoye,
¾ La unidad de habitación de Marsella,
¾ El convento de La Tourette y
¾ La iglesia de Ronchamps

El organicismo

La preocupación mayor del americano Frank Lloyd Wright (1859-1969) es la

armonía entre la construcción y la naturaleza a su alrededor.

Por ello, construye sus "Casas Praderas". En ellas dominan las líneas
horizontales. Los balcones, las terrazas y las ventanas tienen como función el
permitir la integración del ámbito natural y del ámbito creado.

Propone también usar con acierto los materiales tradicionales como la madera y el
ladrillo a pesar de las facilidades que procura el hormigon.

20
El Brutalismo.

El brutalismo es una escuela inglesa de los años 50, nacida de las anteriores
(Bauhaus, racionalismo, etc…).

Pretende que los materiales de la construcción deben permanecer visibles y desea

retomar los principios clasicistas, entre ellos la simetría.

1.3 Del pop – art al post – modernismo: EEUU / Europa (1961 –

1980)

El pop arte, es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de

consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los
intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las
imágenes son los elementos de los que se sirve.

Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por

completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente
para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de
consumo.

Andy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que

subyacen en su concepto de lo "pop". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de
ser encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales
nobles hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola.

Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son de los más
representativos

21
Obras representativas del Pop-Art

R. Lichtenstein, El beso

R. Lichtenstein, El crack.

22
A. Warhol, Elvis, 1964

A. Warhol, Marilyn

23
Pop Art

A principios del tercer milenio, los años sesenta y el arte pop se encuentran en el
centro de la escena cultural.

Quizás la distensión provocada por el afianzamiento del nuevo orden mundial

posterior a la segunda guerra y la rápida aceptación por parte de los mercados de
los “nuevos electrodomésticos" (como el televisor a válvulas, la radio a transistores
y el tocadiscos winco), colaboraron para instalar una nueva cultura de la imagen
asociada a una idea de consumo.

El arte pop no podría ser explicado sin relacionarlo con un contexto tecnológico
que se manifiesta con el crecimiento de la información y de los nuevos medios de
comunicación social.

El arte pop modifica o cambia la idea de arte plástico (tal como se entendía en la
tradición académica o "beaux arts"), hacia un sistema integrado por un sujeto
visual, un objeto visual y un código de comunicación. Las primeras señales de
televisión abierta "comunicaron" una nueva imagen de la sociedad y de sus
productos de consumo masivo a audiencias ávidas de conocer las "nuevas
tendencias culturales" (en argentina este fenómeno coincide con el gobierno del
general Peron; quien funda canal 7, primera señal de TV – estatal – argentina).

Plásticos figurativos y abstractos discutieron desde principios del siglo XX la

relación de la "obra de arte" con la "realidad". El pop – art dejo atrás esa discusión
porque demostró que el arte plástico reproduce o representa signos y no objetos o
cosas (antes de la "obra" no existe una realidad visual que no haya sido
previamente "simbolizada" por una cultura, por intermedio de un lenguaje).

Este ultimo enunciado derriba al "objeto plástico", eje teórico de la tradición

académica; e instala en su lugar a un sujeto visual que establece relaciones con
productos industriales intangibles o electrónicos (como las señales de radio y de
TV), y con productos tangibles y concretos (como cuadros, latas de sopa de
tomate, sillones u otros objetos "diseñados").

Los artistas pop nacieron influenciados por las imágenes del cine y de la
publicidad; y las relaciones que se establecen entre la industria, la sociedad y el
consumo se ubican en el centro de su reflexión.

El pop – art es un movimiento artístico que reivindica a los productores de la

cultura popular, y tiene la pretensión de que sus productos sean consumidos
masivamente. Quizás es por esta razón que muchos intelectuales "de elite" (serios
y cultos), consideran al arte pop como un sinónimo de vulgaridad y de "kitch".

24
Los artistas pop revalorizaron las señales de transito, los carteles y afiches
publicitarios, el erotismo de objetos y personas (sex appeil), el glamour del cine y
los desfiles de moda, todos los ritmos de la música popular, las tapas de los discos
de vinilo y las historietas o comic’s entre otros fragmentos de discursos o
lenguajes urbanos y cotidianos. Para comprender la obra pop es necesario
entender los códigos visuales y los sonidos que una determinada sociedad emplea
para comunicarse diariamente.

Un sistema visual es un cuerpo de información estructurado, el objetivo de su

construcción es el entendimiento y la explicitación de un conocimiento referido a
los objetos visuales de nuestra experiencia diaria. Aquí, la idea de sistema esta
ligada a la organización racional de una materia.

Según Roland Barthes, el sistema de la lengua es el modelo respecto del cual se

miden el resto de los sistemas sociales de significación. Si consideramos la
producción de una "obra de arte" desde este punto de vista, podemos pensar
como posible una gramática de la pintura, de la moda, del comic, del cine o de la
música, que se proponga el estudio sistemático de la organización de sus
significantes (sus aspectos formales o expresivos).

Distintos autores acuerdan que el origen del arte-pop hay que buscarlo a finales
de los años cuarenta dentro de los estudios de los fotógrafos, ilustradores y
pintores cercanos a los "art directors" de las agencias de publicidad londinenses.
Durante la década del cincuenta estas ideas relacionadas con la codificación de la
sociedad de consumo se transladaron a NYC, San Francisco y Los Ángeles.

El pintor y diseñador argentino Tomas Maldonado hace referencias a estos temas

en alguno de los artículos publicados en su libro titulado Vanguardia y
Racionalidad, editado por Gustavo Gili (Problemas actuales de la comunicación -
1953 -, El diseño y las nuevas perspectivas industriales – 1958 - , Comunicación y
semiótica -1959-, Educación artística y comunicación de masas -1959-, Diseño
sexo y control – 1962 - ).

En la argentina, a mediados de los años sesenta, al pop – art se lo relaciona con

el departamento de artes visuales del Instituto Torcuato Di Tella, donde
intercambiaron experiencias pintores, escenógrafos, diseñadores y músicos. El Di
Tella no fue el único lugar donde se habló de arte-pop cerca de las orillas del Río
de la plata. En 1963 el arquitecto César Jannello, profesor de la asignatura Vision
en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, invita a Oscar Masotta a sumarse a
su cátedra para investigar aspectos teóricos del diseño y la arquitectura en la línea
de los nuevos estudios de los lenguajes. Promueven encuentros entre arquitectos,
semiólogos, psicoanalistas y linguistas, y trabajan en el proyecto de fundación del
Centro Superior de Arte de la Universidad de Buenos Aires.

25
Jannello y Masotta junto a Juan Carlos Indarts introducen en Buenos Aires textos
de Greimas, Levy Strauss, Chomsky, Jackobson y Lacan. En 1967 Masotta
publica su ensayo "el pop-art" en la colección Nuevos Esquemas de la Editorial
Columba. Este texto incluye las conferencias dictadas en el Instituto Di Tella, las
que dictó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y su experiencia de
investigador en la Facultad de Arquitectura. Masotta ensaya en ese libro un
análisis crítico del movimiento pop y de sus artistas más representativos.

Analiza los trabajos de la llamada segunda ola de la escuela de Nueva York, un

grupo de artistas integrado por Lichtenstein, Segal, Weselman, Rosenquist, Jones,
Warhol,Dine, Indiana, Oldenburg y el ingles Dine entre otros. También analiza
obras de plásticos argentinos como Ruben Santontanin, Marta Minujin, Delia
Puzzovio, Carlos Squirru, Juan Stopani, Renart, Wells y Maza, por aquel entonces
residente en NYC.

Masotta realiza un análisis de tipo semiológico para detectar los códigos y las
significaciones que poseen las obras de estos artistas. Intenta definir invariantes
para la obra pop y lo hace utilizando relaciones de presencia-ausencia y de
contancia-variación. Distingue "pares de oposición" integrados por surrealismo y
psicoanálisis por un lado, y pop y semántica por otro.

Masotta se pregunta que es lo que esta comunicando el Pop_Art a la sociedad

norteamericana de los años sesenta: tal vez este comunicando el final del
"american dream" mito progresista que creció durante todo el siglo XX y se
derrumbó en Vietnam; quizás también se refiere irónicamente a una sociedad
"democrática, plural y no jerarquizada". Si se reconoce que en EEUU siempre
existió (y existe) una lucha permanente por el poder y la jerarquía, la concurrencia
de intereses y la valorización del prestigio, en su opinión la sociedad
norteamericana, a nivel de sus instituciones, ignora su estructura social.

Los artistas pop fueron entonces quienes se encargaron de poner en evidencia

esa ignorancia. También introdujeron un nivel de crítica social haciendo explícitas
las modalidades de consumo de todos los productos industriales (los culturales
como los comics y los LP y los del supermercado como las latas de sopa y los
protectores diarios). Para Masotta el pop-art es metalinguistico, porque no
representa las cosas sino las representaciones de las cosas.

26
Roy Liechtenstein (1923/1997) toma los códigos de la historieta y los lleva a sus
pinturas. Las imágenes de imágenes de Lichtenstein evocan las emociones que
provoca la viñeta del comic, la codificación que el autor del comic ya ha realizado
sobre el mundo y su potencia visual y comunicacional.

El Pop Art se caracteriza por:

¾ Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en

contacto con el mundo y la realidad objetual.

¾ Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del

mundo contemporáneo.

¾ Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus
aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas,
fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos
populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos
enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

¾ Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples

"motivos" que justifican el hecho de la pintura.

¾ Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y

representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades

27
 formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas
gracias al empleo de imágenes familiares y facilmente reconocibles.

¾ Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

¾ Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de

la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas,
etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos
(neodadaísmo).

¾ Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los

desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los
signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton,
etc.).

¾ Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las

imágenes de tebeo de Lichtenstein).

¾ Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. .

¾ Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la

industria y los objetos de consumo.

Postmodernismo

Postmodernismo es el término que se ha usado para describir el confuso período

que ha sido definido como la situación en la cual el mundo se encuentra a sí
mismo después del rompimiento del proyecto del Esclarecimiento,durante el cual
se intentó hacer que todas las personas vieran las cosas de la misma forma
racional.Se ha dicho que todos los sistemas modernos del conocimiento han sido
apoyados por alguna "metanarrativa" o "gran discurso".

1.4 El efecto Memphis (1975-1990)

El movimiento Memphis nació en Italia bajo la meta de diseñar una colección
completamente nueva de muebles, lámparas, objetos de cristal y cerámicos, que
se produjeran en modestos talleres artesanales. El resultado; la fundación del
movimiento de la mano de Ettore Sottsass, Marco Zanini, Matteo Thun y Aldo Civic
a principios de 1980.

El Movimiento Memphis combina diversas inspiraciones que van desde el Radical

Design, el Arte Pop, la Bauhaus al Misticismo Indio y la culturas primitivas.

28
Matteo Thun

Llevado 1952 en el Bolzano, Italia estudia debajo de Kokoschka Oskar en el

doctorado de Salzburg Academy.Architectural en Florencia en 1975 con el Adolfo
Natalini moves a Milano en 1978, hace el conocido del trabajo del comienzo del
sottsassand del ettore en su estudio. Miembro de co-fundación en 1981 del grupo
de Memphis, el movimiento del diseño que formó tan acontecimientos en los años
ochenta.

La academia de Viena para los artes aplicados lo designa a silla del diseño y de la
cerámica de producto en 1982. Termina su trabajo con Memphis y funda su propio
thun del matteo del estudio en Milano en 1984. Concedida tres veces el “d'oro del
compasso” para el buen diseño. Director creativo a partir de 1990 hasta 1993 para
el swatch. Hotel lateral Hamburgo, hotel del recurso de la montaña del vigilius del
año 2001., concesión 2004 del balneario de la gala. Nueva mirada en el faade de
“palazzo del cinema” durante el 61.o y 62.o festival de la película de Venecia,
septiembre de 2004. Seleccionado para “el premio 2004 del diseño del d'oro del
compasso” para “girly” por catalano. Instalado en el pasillo de la fama interior en
Nueva York, diciembre de 2004. Él es el “miembro del RIBA - instituto real de
arquitectos británicos

Marco Zanini

Fue uno de los fundadores del controvertido grupo de diseño Memphis en los años
80 y trabajó en el competitivo mercado internacional milanés. Pero prefirió una
recóndita isla en Panamá, donde construyó un centro científico ecológico y desde
donde ayudó a crear una de las escuelas de diseño tecnológico más innovadoras

29
de Italia. Sus otros hogares son Río de Janeiro y Santiago, ciudades en las que se
ha realizado dando constantes giros a su carrera de arquitecto y diseñador.

'Nunca organicé ni fotografié mis obras. No me interesa pasar a ser un lindo libro,
un coffee table book', dice Marco Zanini cuando le preguntamos cómo podemos
conseguir fotos de los trabajos que lo hicieron famoso.

Optó por el camino difícil de recorrer, ése que aún no existe y en el que se va solo.
Pero este arquitecto y diseñador italiano lo hace convencido porque cree que es la
única forma de aportar a la comunidad. Podría haberse quedado en el mundo de
los diseñadores top de Europa, pero una vez que lo fue, buscó otros países y otras
vetas de su carrera. Una de las últimas que encontró lo llevó a vivir a Panamá,
donde proyectó el Liquid Junge Lab un centro de investigación científica que
busca mejorar la calidad de vida de las distintas especies del planeta.

No reside sólo en Panamá. Lo cierto es que allá vive cuando no está en Río de
Janeiro, Milán o Santiago. Lo encontramos en una de sus 'semanas chilenas',
mientras lidera el proyecto de innovación de Masisa. 'Estamos completando la
transición de la empresa maderera a una multinacional moderna. Queremos
transformarla en una empresa digital; mejorar la atención a la responsabilidad
social y ambiental, estamos realizando una investigación de productos'.

Previo a su paso por Latinoamérica, vivió tres años en Estados Unidos donde
trabajó para Argonaut y diseñó vestuario para bailarinas de danza del vientre. En
1977 volvió a Italia y trabajó con Ettore Sottsass y otros importantes diseñadores
hasta que fundaron Sottsass Asociados. En 1981 fue socio fundador del grupo
Memphis, un conocido y revolucionario movimiento de diseño. En 25 años en
Milán realizó más de mil proyectos para 36 países, entre ellos Japón, Rusia y
Australia.

Atrás quedó Milán, capital del diseño por excelencia y los trabajos para
Tecnodelta, Venini, Pampaloni y las oficinas que hizo para Knoll Internacional y las
tiendas de Esprit. Prefirió la recóndita isla Canales de Tierra de Panamá.

Entrevista

¿Qué significa hoy haber sido uno de los fundadores del grupo Memphis?

- Yo era muy joven, era un honor tener tanta publicidad. Ahora, después de 25
años, es un recuerdo de algo que permanece en los libros y museos. Fue un
tiempo muy creativo y particular protagonizado por un grupo internacional de
personas calificadas que crearon cosas que muchos catalogan de
'importantes', pero que seguramente eran innovadoras. Tuve fortuna de estar
en el lugar justo en el momento justo. Un Memphis hoy no tendría el mismo

30
 sentido. Nos han pedido varias veces recrearla, pero no tengo ni las ganas ni la
nostalgia. Sólo me queda la tranquila felicidad de haber participado en ella.

Diseño tecnológico, social y ecológico

'Entrar en la casa de Marco Zanini es ponerse en contacto con una de las

filosofías del diseño más anárquicas y subversivas conocidas', escribió la
revista Casa Idea sobre el loft del arquitecto en Milán. La descripción también
vale para él. No en vano fue uno de los creadores de la escuela Interaction
Design de Ivrea, que aplica el diseño a las nuevas tecnologías. 'Es una nueva
disciplina que nació como Internet, en el sentido anárquico, sin definiciones
académicas. Pero permea a la sociedad y tiene un increíble potencial para
satisfacer las necesidades, los deseos y oportunidades del tercer milenio:
eliminar la burocracia, aumentar la democracia, acercar la brecha norte sur,
moverse hacia una sociedad de conocimiento y sanar el medio ambiente',
explica.

El discurso lo pone él mismo en práctica. Basta conocer su trabajo en el centro

de investigación Liquid Jungle Lab. Grandes estructuras de bambú sostienen
los techos del LJL. Los hizo con el reconocido arquitecto colombiano Simón
Vélez, especialista en bambú, pero el diseño y construcción de toda la obra es
de Zanini. El proyecto nació de la Fundación Ecológica Isla Canales de Tierra y
la Liquid Jungle Lab Company; empresas que adquirieron tierra para la
protección e investigación ecológica del sector.

El centro hospeda a 20 científicos y a un laboratorio que responde a las

necesidades de investigadores del Instituto Smithsonian de Investigaciones
Tropicales y el Instituto Oceanográfico Woods Hole, que es el más grande del
mundo en su especialidad.

Cumplir con los requisitos técnicos y científicos era sólo parte de los cometidos
que debía cumplir Zanini. Estaban también los factores culturales y el
climatológico, decisivos a la hora de elegir los materiales. Como llueve la
mayor parte del tiempo y no se puede encerrar a la gente, Zanini propuso un
conjunto de techos que permiten caminar por todo el recinto sin sufrir las
inclemencias del sol y la lluvia tropical. No hay prácticamente paredes que
separen el exterior del interior para permitir una grata ventilación natural. Pero
Zanini también introdujo materiales ajenos al lugar, pero que lo potencian:
grifería alemana, azulejos, lámparas y mármol italiano.

¿Qué desafío se planteó como arquitecto al tener que intervenir la belleza

natural de la isla?

- Construir respetando al máximo la naturaleza, trabajamos con mucha atención

porque este proyecto es una demostración ecológica. Yo me escapé de Milán,

31
 del estrés de gestionar un estudio de diseño internacional con 30 personas,
donde había que hacer 50 proyectos al mismo tiempo. Huí de una sociedad
hipercompetitiva y consumista que yo considero decadente y que también
llamo manierista, en el sentido de que sólo quedan los restos de la buena
época. Me vine a un paraíso de naturaleza donde camino todo el día, donde no
existe la publicidad y donde diseño y construyo al mismo tiempo. Ahora soy
una especie de far west. He construido un aeropuerto, cinco acueductos, 20
puentes, varias casas y calles sin parámetros a seguir.

¿Qué problemas prácticos encontró?

- En cuanto a la proyección no hay tantos inconvenientes, pero construir es más

complejo en un lugar aislado, con trabajadores pescadores y campesinos
locales que no poseen los puntos de referencia que nosotros consideramos
normales. Me es difícil explicar que quiero un almacén ordenado como un
negocio de Cartier a alguien que vive en una casa con el techo de paja y suelo
de tierra.

1.5 Neville Brody y la imagen alternativa de los 80´s

Neville Brody es un diseñador británico nacido el 23 de abril de 1957 en Londres.

Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros
trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía
apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las
convenciones de las tendencias de la década de los setenta.

En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface
Six una nueva tipografía, que recogía las influencias del punk y las nuevas
corrientes de la new wave.

The Face, de la mano de Brody rompió con la tradición del diseño editorial
respetuosa con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody
comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de
la información. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits.
Podrían resumirse sus principales ideas como un rechazo a la concepción del
diseño como solución de problemas.

Hacia 1988 hizo del ordenador personal la principal herramienta de trabajo y

comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas han sido distribuidas por Linotype.
En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of
Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert
Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa.

32
El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo que se
ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobriedad de
su primera etapa. Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para
Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo Eric Spiekerman, responden a
un estilo más desenfadado. Su creciente fama le ha permitido acceder a otro tipo
de proyectos, inhabituales en un grafista, como la identidad corporativa de la
televisión austríaca (ORF) y el canal alemán codificado Première.

33
Resumen
El orden preciso de los sucesos, así como la veracidad de los mismos, ha
generado una duda que no se ha podido responder a ciencia cierta. De alguna
manera, las visiones encontradas han permitido ir conformando el rompecabezas
de lo ocurrido el 2 de octubre de 1968.

Las crónicas publicadas en los periódicos nacionales un día después del suceso,
también difirieron en tendencias e incluso en cifras acerca de muertos y heridos.
No se ha podido establecer el número preciso de ellos, ni cuáles fueron los
verdaderos hechos.

La historia provee un ambiente de angustia y la religión pierde importancia,

mientras las ideologías políticas ganan terreno. Lo anterior se refleja en temas
nuevos y en tratamientos controvertibles de estos.

La evolución tanto de la demografía como de la economía proporcionan a la

sociedad, a pesar de todo, un mayor bien estar por lo que se da una redistribución
de la producción artística.

El ritmo del progreso tecnológico y la frecuencia de aparición de las novedades se

reflejan en la producción artística también. Esta, en efecto, encuentra
constantemente rumbos nuevos e inexplorados.

El movimiento deja de ser una consideración abstracta expresada en forma

estática, se integra a la escultura

Art nouveau, modernismo, secesión y art déco pierden energía con la primera
guerra mundial, pero las innovaciones que han introducido se retoman en el
periodo posterior.

Diferencias esenciales distinguen la arquitectura contemporánea de la arquitectura

de siglos anteriores.

Los palacios ya están construidos y las pocas monarquías que quedan no tienen
necesidad de impresionar, construcciones equivalentes durante el siglo XX son las
que inciensan los regímenes políticos en el poder. En general, su valor artístico es
discutible.

Se siguen construyendo iglesias, pero se pierden en la cantidad de otros edificios

más utilitarios que los arquitectos erigen: bibliotecas, escuelas, hospitales, teatros,
estadios y sobre todo viviendas individuales o colectivas.

34
El precio del terreno urbano orienta hacia construcciones altas, estructuras
sólidas, métodos de construcción y materiales económicos. El mármol y la piedra
son lujos que han sido remplazados por el concreto armado, flexible al punto de
ser moldeable. El vidrio no tarda en ser adoptado también. Se concibe y se usa la
prefabricación. Simplificando al máximo, se puede considerar que la arquitectura
del siglo XX progresa en cuatro grandes etapas:

1. El Bauhaus y el racionalismo
2. El funcionalismo
3. El organicismo
4. El brutalismo.

El movimiento Memphis nació en Italia bajo la meta de diseñar una colección

completamente nueva de muebles, lámparas, objetos de cristal y cerámicos, que
se produjeran en modestos talleres artesanales. El resultado; la fundación del
movimiento de la mano de Ettore Sottsass, Marco Zanini, Matteo Thun y Aldo Civic
a principios de 1980.

El Movimiento Memphis combina diversas inspiraciones que van desde el Radical

Design, el Arte Pop, la Bauhaus al Misticismo Indio y la culturas primitivas.

35
Tema 2. El fin del siglo XX
Subtemas

2.1 El retro – 30, bolidisti y el diseño de la Barcelona pre – olímpica (1980 – 1990)
2.2 El producto minimalista: Jasper Morisson (1985 – 1995)
2.3 Droog desing: Diseño ecológico con poesía pragmática (1990 – 2000)
2.4 David Carson – surfing, provocación y video – tapes
2.5 Marc Newson: Techno, nuevos materiales y club cultura: (1990 – 2000)
2.6 Estilos neo – retro, old school, vintage – especial moda
2.7 Trash – art, neo – punk, el buen mal gusto: el anti – life – style

Objetivo de Aprendizaje
Al término del tema el estudiante conocerá las tendencias contemporáneas así
como la trascendencia del trabajo de arquitectos, decoradores y diseñadores la
vida económica, cultura y social.

Introducción
Una característica del arte durante el siglo XX es que el desarrollo de los distintos
estilos, movimientos o tendencias no se produce con arreglo a un sistema
evolutivo, sino que hacia los mismos años surgen direcciones estéticas totalmente
opuestas. Además, dado su carácter internacionalista, se hace difícil el estudio por
países, ya que el desarrollo de las nuevas ideas y planteamientos estéticos se
produce al unísono en todos ellos como consecuencia de su rápida difusión y el
consiguiente intercambio de influencias. Tampoco es posible una diferenciación
por generaciones, pues los artistas de una misma generación trabajan en
tendencias muy diferentes. También hay que tener presente que el inicio de un
nuevo movimiento no significa que los artistas de corrientes anteriores dejen de
trabajar o de influir, más o menos directamente, en el desarrollo de las siguientes
tendencias; esos artistas continúan produciendo obra, y a lo largo del tiempo es
fácil encontrar sus nombres asociados a otras corrientes (incluso contradictorias)
desarrolladas progresiva o simultáneamente.

No obstante lo dicho, con el fin de facilitar el estudio, se ha dividido el arte del siglo
XX en tres grandes periodos:

1. Primeras vanguardias artísticas y otras corrientes históricas

(Desde comienzos de siglo hasta los primeros años cuarenta)

36
2. Segundas vanguardias y otras corrientes "modernas"
(Desde los años cuarenta hasta mediados de los años setenta)

3. Postmodernidad
(Desde mediados de los años setenta hasta finales del siglo XX)

Postmodernidad

El periodo que va desde mediados de los años setenta hasta finales del siglo XX
está caracterizado por el eclecticismo, pues durante el mismo se reúnen viejos y
nuevos estilos de manera completamente arbitraria. El arte de la postmodernidad
recicla fragmentos de distintas épocas para configurar una nueva representación,
rechazando la ideología de la uniformidad y el dogmatismo que caracterizó al arte
de vanguardia de años anteriores. El quehacer artístico se enfoca ahora sobre lo
diferente, la discontinuidad, la ambigüedad y la paradoja. El artista postmoderno
desarrolla un nuevo lenguaje, de intensa subjetividad, combinando formas
históricas y modernas con referencias internacionales y regionales sin ninguna
limitación; el artista se expresa ahora como desea, con entera libertad. Por otra
parte, esa revisión historicista restituye el aura de lo artístico después del
"anything goes" ("todo vale") característico de la experimentación artística de los
años sesenta y setenta, durante los cuales se llegó a considerar que cualquier
cosa era susceptible de entenderse como arte. Quizás por esa vuelta a lo
"artístico", movimientos como el neoexpresionismo y la transvanguardia fueron
bien aceptados por los galeristas y los coleccionistas de arte, y muchos jóvenes
artistas alcanzaron rápidamente fama y dinero.

A continuación reseñamos algunas de las corrientes artísticas desarrolladas

durante el periodo indicado:

¾ Anacronismo / Nuevo clasicismo o neomanierismo G

¾ Figuración graffiti G
¾ Figuración libre G
¾ Neoexpresionismo / "Los nuevos salvajes" G
¾ Neo-geo G
¾ Neo-pop
¾ Nueva imagen
¾ Pattern & decoration
¾ Transvanguardia

37
2.1 El reto – 30 bolidisti y el diseño de la Barcelona pre –
olímpica (1980 – 1990)
Barcelona capital del diseño mundial. Con este atrevido y sin duda arrogante
supuesto nació hace justo 10 años la primera edición de la Primavera del Diseño
en Barcelona. Un evento que cual la primavera florece e invade la capital catalana,
pero cada dos años, coincidiendo con Construmat y tras el Salone del Mobile de
Milán. Corría el año 1991 y la euforia preolímpica dio alas para lanzar una de las
iniciativas promocionales más audaces que se conocen en el sector: a saber, con
apenas 30 millones de pesetas convertir la ciudad en un foro internacional sobre
diseño industrial y gráfico. Eso fue posible por diversos motivos, primero porque el
Ayuntamiento tenía ganas de jugar baza al respecto y la Generalitat también
apostó por ello, una loable e insólita entente por aquel entonces. Segundo porque
el diseño español vivía un dulce momento aupado mediáticamente por la eclosión
creativa de finales de los ochenta. Y tercero porque la sociedad civil catalana del
diseño puso manos a la obra.

2.2 El producto minimalista: Jasper Morisson (1985-1995)

El Minimalismo apareció por primera vez en los años 60's. Esta forma de arte
abstracto, surgió como una reacción frente a los excesos del Expresionismo.
Los artistas minimalistas se enfocaron en destacar al objeto como tal,
reduciendo al mínimo su contenido histórico y expresivo.

Minimalismo, movimiento surgido a principios de la década de 1960 en Estados

Unidos como reacción al expresionismo abstracto. En 1965, el teórico y artista
Donald Judd, publicó un artículo en la revista Specific Objects en el que exponía
las razones por las que abandonaba la pintura en favor de la escultura como
soporte para expresar sus ideales de absoluta objetividad.

Muchos de los minimalistas, eran esencialmente escultores preocupados por

devolver a las formas su máxima simplicidad. Para lograrlo, utilizaron colores
básicos, terminados de fábrica y materiales industriales.

Hoy en día, el diseño minimalista es esencialmente una arquitectura

reductivista. Un sofiscado y riguroso nivel de acabados y detalles se
complementa con lugares para almacenaje muy bien planeados, lo que
permite a los habitantes de estos espacios, escapar del caos cotidiano y
relajarse en un refugio de paz, simplicidad y armonía. Es tal vez por este
contraste entre la atiborrada y sobrecargada realidad de las grandes urbes y la
propuesta sencilla y espiritual de este movimiento, que el minimalismo ha
resurgido con mucha fuerza al final del siglo XX y principios del XXI.

38
El Minimalismo también se conoce como arte ABC, arte mínimo, reductivismo
o arte de rechazo. Las más notables obras minimalistas se destacan por su
atención a los más insignificantes detalles, sin necesidad de recurrir al
empleo de grandes ornamentos. Muy de moda en los Ángeles, Nueva York y
la mayoría de las grandes ciudades de Norteamérica y Europa, este movimiento se
aprecia tanto en los edificios corporativos, como en los condominios, las tiendas y
los restaurantes. Perseguido como nunca antes por 'fashionistas', artistas e
intelectuales, el Minimalismo se encuentra en su máximo... o más bien en su
mínimo esplendor.

Jasper Morisson

A sus 45 años, el londinense Jasper Morrison se ha establecido como diseñador

de reputación internacional gracias a la realización de proyectos de gran calidad
para diferentes sectores, entre ellos el hábitat y el sector transportes. Su habilidad
para trabajar temas tan diversos con diferentes materiales le hace merecedor de
los galardones más prestigiosos en el mundo del diseño, y por lo tanto hemos
querido incluirlo en nuestra serie de artículos de grandes diseñadores.

Estudió en la kingston Polytechnic Desing School desde 1979 hasta 1982 y en el

Royal College of Art de Londres entre 1982 y 1985; en 1984 cursó una beca en la
Academia de las Bellas Artes de Berlín.

Morrison se hizo famoso a principios de lo ochenta por sus muebles

experimentales como la mesa Flowerpot (1983) y la silla Wing – Nut. La Side
Table y el taburete Slatted Stool fueron sus primeros productos fabricados. Estos

39
diseños, que actualmente sigue produciendo SCP, fueron lanzados en Milán en el
año 1986. Ese mismo año fundó en Londres la Office for Desing, su propio estudio
de diseño industrial. Posteriormente crea su famosa Thinking Man’s Chair para
Capellini y la silla Ply para Vitra, antecedentes del enfoque no materialista del
diseño que caracteriza sus obras más recientes.

Thinking Man's Chair - 1987

Ply Chair - 1989

40
Aunque trabaja y vive en Londres y sus diseños se ven influenciados por ese
entorno, un elevado porcentaje de sus productos están destinados al mercado
italiano. A medida que va madurando su portfolio, Morrison empieza a atraer la
atención de clientes de alto nivel que buscan la pureza del diseño de sus
soluciones. Entre estas empresas se encuentra Artifort, Alessi, Flos, Rosenthal,
Magis y Sony.

Siempre abierto a colaboraciones con diseñadores próximos, en 1992 Morrison

organizó junto con James Irvine el Progetto Oggetto para Capellini, una colección
de artículos domésticos creados por un grupo de jóvenes diseñadores, entre otros
Stefano Giovannoni y Axel Kufus.

Ese mismo año, Morrison publicó la obra A World Without Words y recibió un
premio Bundespreis Für Porduktdesign por su gama de tiradores de aluminio
diseñados para FSB.

Otros proyectos recientes incluyen su batería de cocina de acero inoxidable Tin

Family para Alessi (1998), la lámpara de techo Glo-ball para Flos, una televisión
de pantalla plana y un sistema de alta fidelidad para Sony (ambos en 1998),
diseñados junto con John Tree, y la conocidísima Air Chair de Magis, hecha de
una sola de plástico inyectado. Ese mismo año también salen al mercado las sillas
Hi-Pad y Low-Pad de Capellini.

Uno de los encargos más importantes que ha recibido hasta la fecha ha sido el
diseño del nuevo tranvía de Hannóver TW 2000 para la Expo’2000, que obtuvo el
Premio de Diseño de Transporte IF y el Premio de Ecología.

Su último libro “Jasper Morrison, everithing but the wall”, recoge todos los trabajos
realizados a lo largo de su extensa trayectoria profesional, todos excepto los de
arquitectura, todo menos las paredes.

Sus trabajos más recientes son el sistema de oficina ATM para Vitra y una nueva
colección de pequeños electrodomésticos para Rowenta.

La obra estéticamente pura y funcional de Morrison ejemplifica lo que se conoce

en diseño como el nuevo esencialismo: un enfoque de diseño que se ocupa de la
organización lógica de aquellos elementos totalmente necesarios para la
realización de un objetivo concreto. Obtener el máximo partido de lo mínimo.

Actualmente, muchos de sus diseños se encuentran expuestos en las colecciones

permanentes de museos de todo el mundo, incluido el Museo de Arte Moderno de
Nueva York y el Museo Victoria & Albert de Londres.

41
 Lámpara Glo-Ball de Flos 1998

Tranvía de Hannover 1995-2000

2.3 Droog design: Diseño ecológico con poesía pragmatica

(1990 – 2000)

Es una marca de fábrica y una mentalidad: diseño de los productos que hacen lo
que él debe y pensar alrededor porqué lo está haciendo en el primer lugar:
¿función? ¿Diversión? ¿Ingenio? ¿Crítica? ¿Todo el antedicho? Droog es una
colección curatorial de productos exclusivos, una piscina agradable de
diseñadores, una declaración distribuida sobre diseño como comentario cultural,
un medio, trabajando con los diseñadores del filo y aclaró a clientes, tomando la

42
producción y la distribución de su colección en sus propias manos, siendo único
en su acercamiento conceptual y del contexto hacia diseño. En este sitio usted
encontrará la información sobre el diseño, la fábrica y el enchufe de Droog en un
ambiente 100% del hypertext. Esto significa que cada palabra en este sitio es un
acoplamiento, que cuando está chascado generará la información asociada
exhibida a la derecha. Un tecleo en una oración en esta concordancia del ` ' abrirá
el texto asociado en esta ventana

2.4 David Carson – surfing, provocación y video – tapes

David Carson retrospectivo de sus últimos cinco años, viaje dificultoso ofrece
fotografía, la película, y los proyectos Tela-basados que cambian de puesto entre
personal y comercial. La unión del contenido es Carson distintivo hecho
fragmentos y acodó acercamiento compositivo: Un ejemplo, una fotografía de un
shack sol-blanqueado y un tablero de aviso que lee el "diseño inc. De Carson," se
adorna con los sunbursts gráficos, saliendo del lector para preguntarse cuánto de
la imagen es verdadero y cuánto construyó. Los miembros del jurado elogiaron el
líquido, sensación libre-sociable. "David Carson continúa siendo una de las voces
tipográficas más distintivas del mundo -- imitadas mucho, pero nunca
emparejadas," Lupton dicho. Ella agregó que el libro, que es publicado por Gingko
Press, "con eficacia presenta a Carson ' propio trabajo en su propio estilo. Ése
podría ser demasiado de una buena cosa, pero en este caso, apenas correcto."

43
2.5 Marc Newson: Tecno, nuevos materiales y club cultura (1990
– 2000)

El es uno del mundo el arquitecto y el diseñador autodidactas más realizados y

más influyentes. 1984 que él graduó en la universidad de Sydney de los artes en
joyería y escultura. En 1986 le concedieron una concesión del consejo de los artes
del australiano, y efectuó una primera exposición - el ofrecer lockheed el salón - en
la galería del oxley del roslyn en Sydney. El newson 1987 se movió a Tokio, en

44
donde él vivió y trabajó a 1991. La compañía de los kurosaki del teruo, idée,
fabricó los pedazos tales como ' la tabla del salón del orgone ', ' del calabozo ' y la
silla ' sentida ', que fueron exhibidos extensamente en Asia y Europa.El newson
1991 instaló un estudio en París en 1991, comenzado a trabajar para los
fabricantes italianos - para los flos (para la iluminación), y para el cappellini
(muebles). En el newson 1997 movido a Londres, donde él y su newson haan ltd
del orujo de benjamin de del socio instalado. Como estudio más grande capaz de
abordar proyectos industriales más ambiciosos. El newson ha tenido una carrera
prolífica, internacional y es algo de un fenómeno. Muchos de sus diseños del
objeto de los muebles, de la iluminación, de la cristalería y de la casa han
alcanzado ya un estado cultural significativo, con los guardianes del diseño de la
moma, del sfmoma, del museo del diseño del vitra y del museo del diseño de
Londres que los arrebataba para arriba para sus colecciones permanentes.

lamps made in corian®, dupont, 2003

45
 'black hole' table for idee, 1988

'lockheed lounge', for pod 1986-88

46
 'embryo' chair for powerhouse museum, sydney, (idee) 1988

2.6 Estilos neo – retro, old – school, vintage – especial moda

A comienzos de la década de los ochenta, como reacción contra la emotividad del
neo-expresionismo, se produce en EE.UU. y Europa un resurgimiento de la
abstracción geométrica con artistas muy dispares que se sirven o apropian
libremente del arte abstracto de los años sesenta, y de antes, para elaborar obras
dentro de una tendencia que se conoce como "Neo-Geo" (abreviación de "Neo-
Geometric Conceptualism"). El término engloba a muchos artistas con líneas
diferentes de trabajo y pensamiento, por eso esta es una tendencia poco
homogénea.

La primera muestra de esta corriente se produce en la Documenta 8 de Kassel en

1984.

Características

¾ Apropiación de las combinaciones formales y cromáticas próximas a las

creaciones constructivistas, geométricas tipo hard-ege y al op-art.

¾ Ausencia de todo planteamiento filosófico y utópico.

¾ Carácter eminentemente decorativo con cierta carga crítica (Halley).

¾ Configuraciones geométricas irregulares estructuradas en grupos relacionados

y / o repetitivos (Bickerton).

47
¾ Creación de efectos ópticos que provocan la ilusión de formas en relieve
(Schuyff).

¾ Alusión a la tecnología y las redes de comunicación (Halley).

¾ Combinación de técnicas y materiales (madera y aluminio, pintura acrílica y

metalizada, collage, etc.).

¾ Todo tipo de formatos (Rockenschaub realiza obras de pequeño formato).

¾ Empleo de matices de colores próximos en la escala (Federle) y de colores

puros de gran intensidad (Halley, Armleder) preferentemente sobre fondos
oscuros y acromáticos (Taaffe).

¾ Las obras geométricas de la abstracción postpictórica, el pop-art, el op-art, el

minimalismo, y el arte conceptual (especialmente las obras de algunos de los
artistas de esas tendencias como Frank Stella, Ellsworth Kelly, Olitsky,
Vasarely y Bridget Riley).

¾ De artistas de tendencias más anteriores como Malevitch (suprematismo),

Mondrian (neoplasticismo).

¾ De las composiciones de campo de color de Barnet Newman.

¾ Del discurso tecnológico y sociológico.

Artistas

EE.UU
Ashley Bickerton (1959), Peter Schuyff (1958), Philip Taaffe (1955), Peter Halley
(1953), Ross Bleckner (1949), entre otros.

Europa
John M. Armleder (suizo; 1948), Helmut Federle (suizo), Gerwald Rockenschaub
(austriaco), entre otros.

Algunos trabajos destacados

P. Halley:
"Black cell with conduit twice" (Célula negra con conducto doble), 1988.
Acrílico Day-glo y Roll-A-Tex sobre lienzo, 162,5 x 325 cm.
Munich, Colección Siebenstern.

48
P. Halley:
"Prisión amarilla con conducto subterráneo", 1975. Acrílico Day-glo y Roll-A-Tex
sobre lienzo, 162,6 x 172,7. Sonnabend Gallery, Nueva York.

P. Taaffe:
"Midnight Blue" (Medianoche azul), 1985. Pintura acrílica y collage sobre lienzo,
194 x 241 cm. Propiedad particular.

"Frontispicio Gran Iris", 1986. Collage de Linoprint y acrílico sobre lienzo, 160 x
160. Saatchi Collection.

H. Federle:
"Drei Formen zwei durchkreuzt" (Tres formas, dos cruzadas), 1985. Fragmento.
Dispersión sobre lienzo, 210 x 300 cm.

Galerie nächst St. Stephan, Viena.

Neo – Pop

Pintura de la Nueva Figuración Pop

Se desarrolla en Europa y EE.UU. desde principios de los años ochenta.

La denominación "neo-pop" es un término amplio bajo el que se alude a una

heterogeneidad de obras que tienen el denominador común de una iconografía
nutrida del mundo del comic, de los dibujos animados, de los medios de

49
comunicación de masas o de los anuncios publicitarios, aunque sólo sea como
apropiación de alguno de sus elementos, en especial su actitud hacia lo banal, lo
popular o incluso, en algunos casos, como reacción. Por tanto, de neo pop pueden
calificarse los artistas franceses de la figuración libre y algunos americanos de la
figuración graffiti como K. Scharf y L. Quinones.

Características

¾ Carácter irónico y tendencia a la parodia con un matiz más exagerado que en

el Pop.

¾ Iconografía de mayor complejidad.

¾ Mezcla de elementos provenientes de campos diversos (el mundo del comic,

de los dibujos animados, de la publicidad, etc.).

¾ Combinación heterogénea de materiales y técnicas: telas, superficies

metálicas, pintura acrílica, óleo, esmaltes, etc. siguiendo una línea pop

¾ En general composiciones abigarradas.

¾ Colores intensos, llamativos y fluorescentes (Scharf).

Influencias

De los grandes maestros del pop-art, del surrealismo (de postsurrealista pop ha
sido calificado Scharf), de la iconografía del comic, del cine, de la televisión, de los
anuncios publicitarios (Quinones), de los dibujos animados, etc.

Artistas

Kenny Scharf (EE.UU.;1958), Lee Quinones (EE.UU. - de origen puertorriqueño -;

1960), Robert Combas (Francia) y otros artistas de la figuración libre, Daniel
Authouart (Francia), entre otros.

50
Algunos trabajos destacados

K. Scharf: "La diversión está dentro", 1983.

Óleo y spray sobre tela, 229 x 274 cm.
Tony Shafrazi Gallery, Nueva York.

K. Scharf: "Jungle Jism" (Jungla de esperma), fragmento, 1985.

Óleo, acrílico y esmalte pulverizado sobre lienzo, 284,5 x 207 cm.
Neue Galerie, Colección Luudwig, Aquisgran.

51
Nueva imagen

Surge en EE.UU. a mediados de los años setenta y adquiere su máximo desarrollo

durante los años ochenta.

Es el equivalente norteamericano a las corrientes figurativo-expresivas europeas

como el neoexpresionismo alemán, la transvanguardia italiana, o la figuración libre
francesa.

En 1981, la obra de los artistas europeos neoexpresionistas y transvanguardistas

fue ampliamente difundida en las galerías de Nueva York donde obtuvieron un
gran éxito. Esos artistas europeos, especialmente los alemanes, ejercieron una
gran influencia en los artistas neoyorquinos. De este modo, la nueva corriente
figurativa y expresiva que estaba surgiendo en norteamérica se desarrolla
rápidamente y adquiere el reconocimiento definitivo. Sin embargo, en los Estados
Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos con un tratamiento
estilístico y una base de inspiración muy diferente unos de otros. Esto hace que su
obra sea mucho más heterogénea que en las corrientes europeas.

La denominación de la nueva corriente surge de la exposición "New Image

Painting" celebrada en 1978 en el Whitney Museum of American Art de Nueva
York. Esta exposición reunió las obras de varios artistas (pintores y escultores)
que tenían como denominador común la ambigüedad de su estilo, mezcla de
figuración, abstracción y concepto.

Philip Guston (1913-1980) es considerado el precursor de los nuevos imaginistas.

Este artista, a comienzos de 1970, abandonó su expresionionismo abstracto en
favor de un agresivo estilo figurativo con toques expresionistas que anticipa la
nueva corriente.

Modalidades de la nueva imagen de la pintura norteamericana son la figuración

gaffiti, el movimiento del pattern & decoration y la denominada bad painting.

Características

¾ Retorno a las imágenes de carácter emocional y expresivo.

¾ Postura artística narcisista, exaltada, irónica, sarcástica y libre de

convenciones.

¾ Concepción del cuadro como un espectáculo imbuido de fisicidad, sensualidad

y exhibicionismo existencial.

52
¾ Gusto por la fusión o combinación de elementos del arte "culto" y el arte
"trivial".

¾ Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a

base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones
contrastantes (Salle).

¾ Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva

dentro del conjunto de la obra (Schabel, Salle).

¾ Ejecución de trazos amplios.

¾ Retorno al gran formato.

¾ Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas

(acrílicos, pinturas industriales).

Empleo del collage de materiales como fragmentos de platos y cerámicas

(Schnabell).

Temática amplia: símbolos y metáforas visuales, mitologías individuales, motivos

religiosos (Schabel), escenas eróticas (Salle, Fischl), escenas de violencia y
destrucción (Longo). En general, temática con predominio de la figura humana.

Variedad de planteamientos expresivo-formales: matérico (Schnabel), realista

(Fischl, Longo), sincrético (Salle).

En general, composiciones con un gran despliegue de material y de instrumentos

representativos.

Influencias

El neoexpresionismo americano tiene influencias muy diversas: de las tradiciones

artísticas americanas y del arte europeo, del expresionionismo abstracto, de los
planteamientos neoexpresionistas alemanes, de las pinturas simbólicas del arte
culto y del mundo visual de los medios de comunicación, de los planteamientos
efectistas del Barroco, del teatro y del cine, entre otros.

53
Susan Rothenberg (1945), Julian Schnabel (1952), Jonathan Borofsky (1942),
David Salle (1952), Eric Fischl (1948), Robert Longo (1953), Robert Kushner
(1949), Malcom Morley (1931), Robert Zakanitch, entre otros.

Algunos trabajos destacados

S. Rothenberg: "Mendigo", 1982.

Óleo sobre lienzo, 100,3 x 128,3. Willard Gallery, Nueva York.

54
 D. Salle: "Zeitgeist Painting núm. 4", 1982.
Acrílico y óleo sobre tela, 2 paneles, 396 x 297 cm.
Saatchi Collection, Londres.

D. Salle:
"Dual aspect Picture" ("Pintura con dos aspectos"), 1986. Pintura acrílica y óleo
sobre lienzo, 396,2 x 297,2 cm. Mary Boone Gallery, Nueva York.

D. Salle:
"Saltinbanques" ("Saltimbanquis"), 1986. pintura acrílica, óleo, madera y lienzo,
152,4 x 254 cm. Mary Boone Gallery, Nueva York.

J. Schnabel:
"The Student of Prague" ("El estudiante de Praga"), 1983, fragmento.
Óleo, platos y cola de huesos sobre madera, 294,6 x 579,1 cm.
Colección Spiegel, Nueva York.

J. Schnabel:
"The Sea" ("El mar"), 1981. Fragmentos de cerámica mejicana, escayola y óleo
sobre lienzo, 274,3 x 396,3 cm.

E. Fischl:
"The Old Man's Boat, the Old Man's Dog" ("El perro del anciano y el bote del
anciano"), 1982, fragmento.
Óleo sobre tela, 213 x 213 cm.
Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich.

55
E. Fischl:
"Bad Boy" ("Chico malo"), 1981. Óleo sobre lienzo, 167 x 243 cm. Mary Boone
Gallery, Nueva York.

R. Longo:
"Now Everybody" ("Ahora todos"), 1982-83. Diversas técnicas, 243,9 x 487,7 cm.
(Obra compuesta por cuatro paneles que sirven de fondo a una escultura).
Colección Ludwig, Neue Galerie, Aquisgrán.

Pattern Art / Pattern & Decoration

Pintura de Patrones y Decorativa

Visión general

Surge en EE.UU. de la mano de M. Schapiro y R. Zakanitch. Estos artistas

pretendían reivindicar lo decorativo en el arte y mostrar su desacuerdo con el rigor
y la frialdad del minimalismo.

El nuevo movimiento se da a conocer en 1975 en una exposición realizada en la

Holly Solomon Gallery de Nueva York. Posteriormente, recibe su confirmación con
la muestra realizada en el Museo de la American Foundation of the Arts de Miami.
La corriente se consolida en 1979 con las exposiciones celebradas en el Institute
of Contemporary Art de Filadelfia y en el Palais de Beaux Arts de Bruselas.

El movimiento del P & D, junto con la figuración gaffiti, introduce planteamientos

nuevos en la corriente figurativo-expresiva norteamericana (ver nueva imagen ) y
europea (ver neoexpresionismo y transvanguardia).

56
Características

¾ Carácter ornamental.

¾ Ausencia de contenido o sujeción a una idea o planteamiento filosófico,

conceptual o moral.

¾ Clientelismo o sujeción a los gustos de las élites.

¾ Estructuración basada en la repetición de un elemento o modelo (patrón, en

parte ya confeccionado) al estilo de los papeles de pared y de los diseños
textiles.

¾ Configuraciones heterogéneas: elementos figurativos que parecen flotar sobre

fondos abstractos, elementos de carácter primitivo mezclados con elementos
más modernos, etc.

¾ Subordinación del tema del cuadro al efecto visual.

¾ Concepción basada en la idea de "horror vacui": motivos y estructuras

ornamentales ocupando la totalidad del espacio pictórico.

¾ Mezcla de técnicas y materiales: principalmente collage de telas estampadas y

papeles pintados.

¾ Formas estilizadas y depuradas.

¾ Creación de efectos decorativos de tipo atmosférico.

¾ Integración de pintura y arquitectura (creación de ambientes o instalaciones).

57
Influencias

De estéticas muy diversas, especialmente de culturas exóticas, del mundo

oriental, islámico, indio, mejicano, africano, etc. También de culturas pasadas y del
presente.

Artistas

Miriam Schapiro (1923), Robert Kushner (1949), Joyce Kozloff (1942), Kim
MacConnel (1946), Valerie Jaudon, Robert Zakanitch, Ned Smyth, entre otros.

A pesar de ser el "pattern & decoration" un movimiento norteamericano, existen

también artistas en paises europeos que han realizado algunas obras que pueden
incluirse dentro de esta corriente. Por ejemplo:

- En Alemania: Sigmar Polke (1941).

- En España: Luis Gordillo y José Maria Sicilia (1954), entre otros.

Algunos trabajos destacados

R. Kushner:
"Sail away" (Navega hacia allí), 1983.
Diferentes tipos de tela y pintura acrílica, 221 x 523,2 cm.
Holly Solomon Gallery, Nueva York.

58
R. Zakanitch:
"Black Chenille" (Felpilla negra), 1984
Acrílico sobre tela, 243,5 x 142 cm.

S. Polke:
"Alice im Wunderland" (Alicia en el País de las maravillas), 1983. Técnicas
diversas sobre tela de decoración, 320 x 260 cm. Galerie Erhard klein, Bonn.

Transvanguardia

Surge en Italia hacia 1977 como reacción contra el minimalismo y el arte

conceptual.

La denominación fue acuñada por el crítico de arte Achile Bonito Oliva para
referirse a la obra de una serie de pintores italianos sin afiliación concreta pero con
rasgos comunes: la práctica de una pintura de caballete clásica con interés
especial por los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte con
una consciente mezcla de estilos.

Una tendencia similar se desarrolla al mismo tiempo en Alemania y se conoce

como neoexpresionismo.

En EE.UU. el equivalente a las nuevas tendencias figurativo-expresivas europeas

es la llamada "nueva imagen" así como la figuración gaffiti y el movimiento del
pattern & decoration, que introducen planteamientos nuevos.

¾ Carácter abierto: el artista explora o transita (de aquí la denominación) todos

los ámbitos para extraer las referencias que considera adecuadas para la
realización de su obra, filtrandolas y presentandolas a través de su propia
individualidad expresiva.

¾ Iconografía cristiana o pagana con una gran carga de ironía, parodia y a veces
morbosidad.

¾ Plasmación de metáforas; evocación de mitos y arquetipos; a veces

plasmación de motivos personales relacionados con la propia vida del artista.

¾ Predilección por la figura humana en actitudes incómodas y rebuscadas.

¾ Gusto por el ritmo curvo y ondulante.

¾ Preferencia por los formatos típicos de la pintura de caballete, a veces también

grandes formatos.

59
¾ Combinación de elementos figurativos, abstractos, palabras, signos y técnicas
diferentes en la misma obra.

¾ Predominio del efecto bidimensional sobre el de profundidad.

¾ Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas

(acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).

¾ Colorido contrastante.

¾ De todos los ámbitos expresivos sin respetar ninguna tendencia concreta.

Artistas

Mimmo Paladino (1948), Francesco Clemente (1952), Enzo Cucchi (1950), Nicola
de Maria (1954), Sandro Chia (1946).

Algunos trabajos destacados

Mimmo Paladino: "Ronda nocturna"; 1982.

60
 Enzo Cuchi: "Cuadro tonto";1982.
Óleo sobre tela, 280 x 360 cm.
Heiner Bastian, Berlín.

S. Chia:
"Il volto scandaloso";1981.
Técnica mixta sobre tela, 162,5 x 130 cm.
Bielefeld, Kunsthalle.

2.7 Trash – art, neo – punk, el buen mal gusto; el anti – life –
style

Arte de la basura; Arte innecesario; Arte de sobra; Arte de Detritus; Arte de la

diversión... Comenzó todo con el cubo-casquillo. Por años 70 tempranos tenía una
colección de cerca de 60, con los especímenes más finos adornando mis paredes.
Sobre los años próximos desaparecieron, abandonado en mis movimientos. Pero
el recoger es un hábito que es duro de romperse. Di para arriba en los cubo-
casquillos poco manejables y tomé con especímenes más pequeños de las
cáscaras encontradas de los objetos..., postales, etiquetas dominantes de los
amperios de la guerra, prácticos de costa de la cerveza, botones políticos, piedras,
huesos, tarjetas de visita, palillos del swizzle, juguetes miniatura, botones, llaves
huérfanas, plumas rotas inútiles y herramientas, cosa-mA-plantillas, trouvés de los

61
objets de todas las clases. Estos artículos diarios de ninguna importancia que nos
rodean a través de nuestras vidas y consiguen el unbeknownst desechado.
Pedacito-y-pedazos que están al acecho en la parte posteriora de cajones, de
fondos de bolsos y de bolsillos; se depositan en botes de basura; caído en las
aceras; desechado y perdido. Las tomo, las recojo y atesoro, después las pongo
en mis collages, cajas y construcciones.

El primer collage apareció casi espontáneamente mientras que trabajé en una de

mis novelas del misterio de Helen Keremos. Comencé pegando algunas de mi
colección de prácticos de costa de la cerveza sobre la parte posteriora del cojín
grande del calendario que se sentaba en mi escritorio. Con la adición de recortes y
de doodles este cojín se convirtió en más adelante el fondo de una de mis cajas
tempranas llenadas del bric-a-brac. Para entonces era un constructionist fully-
fledged del `(mi comprobador de ortografía aceptó esta palabra, que es yo a
frustrar en ella) Es decir, trabajaba estar parado para arriba en un banco contador-
alto en vez de agacharse en una posición semi-fetal en una computadora. Amperio
hora, la relevación, física y mental de la lucha a escribir. Ser escritor él es
necesario escribir. Es inevitable. Tan después de horas del gasto y de horas en la
escritura de la soledad, es agradable tomar una rotura. Así los escritores hablan
en el teléfono, hacen el café, hacen el lavadero, toman el perro para una caminata,
incluso leen el trabajo de otros escritores – todas las buenas cosas – más bien
que sientan abajo y hacen su trabajo. He encontrado que pegando recortes
coloridos sobre tableros de la ilustración y uniendo a ellos los objetos inútiles de la
procedencia dudosa satisfacen sistemas mejor que más tradicionales de esta
función. Lejos de la tiranía de palabras, él golpecitos la imaginación visual. El
proceso de la construcción es peculiar similar a la ficción del detective de la
escritura. Ni uno ni otro se considera trabajo serio del `¿Ambos requieren
constantemente tomar decisiones pequeñas... son éste la cosa derecha (imagen –
objeto – palabra – idea) para ir a adonde? ¿Aquí? ¿Cómo? ¿Por qué? ¿Qué
manera está para arriba? Ocupándose de un anfitrión de incongruencias, de
semejanzas, de banalidades y de otros ities del `inevitable fabricación de patrones.
El decidir, inserción, desechando. El esperar una visita del serendipity. La
fabricación de estos pedazos es un rompecabezas que se solucionará, un juego
para jugar.

62
La víspera Zaremba fue llevada en Polonia y emigró a Canadá en 1952 después
de una restricción en el Reino Unido. Ella graduó de la universidad de Toronto en
1963 con un BA en historia. Ella era activa en el movimiento de las mujeres en los
años 70 y los años ochenta, y es un miembro de muchos años de la unión de los
escritores de Canadá. Ella ha escrito los artículos y las revisiones para un número
de publicaciones, incluyendo el Costado de papel feminista mensual (producido en
Toronto a partir de 1978 a 1988) de el cual ella era un miembro fundador. Ella es
también el autor de una serie de novelas del misterio (los misterios de Helen
Keremos) que se han traducido a varias idiomas, y de un libro de la no-ficcio'n:
Privilegio del sexo, un siglo de las mujeres canadienses (prensa de Anansi, 1972).
Zaremba vive en Toronto con su socio de veinticinco años, Ottie Lockey. Sus
intereses actuales son el teatro y los artes visuales.

63
El Punk

El punk es una subcultura social de origen urbano. Apareció a mediados de los

setenta para regresar el rock a sus orígenes. Se caracterizaba, en especial en sus
inicios, por su actitud independiente y amateur, demostrando que el rock era, para
y de los jóvenes, no exclusivamente de los grandes virtuosos superestrellas. Su
música es un tipo de rock, sencillo, con melodías simples de duraciones cortas,
pocos arreglos e instrumentos, y por lo general veloces composiciones.

Normalmente las personas que integran este movimiento defienden los principios
de igualdad y equidad. Muchos apoyan el anarquismo, además de otras corrientes
ideológicas. Las letras de la música punk van generalmente ligadas a estas
ideologías.

Características

En sus inicios el punk fue una música muy simple y cruda. Sin embargo, el género
se ha combinado con muchos otros, y a medida de que ha pasado el tiempo ha
ido evolucionando. Aunque sigue siendo una música relativamente fácil de tocar,
se ha vuelto más rápida y las melodías con la guitarra han mejorado.

Musicalmente, el punk se define por canciones simples, usa letras con

orientaciones políticas y sociales, sin orquestaciones ni grandes pretensiones. Usa

64
un ritmo rápido y agresivo propicio para un baile denominado pogo. Se basa en
empujones y golpes entre los que bailan, generando un ambiente caótico.

La guitarra se caracteriza por sus veloces rasgueos muteados, es decir,

silenciados parcialmente con la palma de la mano, dando un efecto conocido
como palm mute (enmudecer con la palma, en español). El bajo por lo general
sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la
melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos
pero agresivos.

Origen del término punk

El término inglés punk no tiene un significado claro. Es un término despectivo cuyo

significado puede variar, aplicándose a objetos (significando algo así como
basura) o a personas (significando vago, despreciable, o también basura, escoria).
El autor William Burroughs escribió en la época que: "punk significa alguien que le
gusta "recibir por el culo". Y Sid Vicious lo definió de esta forma: "Los punks
(gamberros) delinquen, delinquir te lleva a la cárcel y en la cárcel te dan por el
culo. Así que podríamos definir punk como alguien que le gusta recibir por el culo".

Historia del punk

Después de la Segunda Guerra Mundial la gente que sobrevivió estaba sumida en

la miseria. Muchas estructuras de Londres habían sido destruidas, así que muchos
huérfanos sin hogar se unieron en pequeñas pandillas y se refugiaron en las
alcantarillas de Londres, dando origen a su denominación de Underground.

A finales de los años 60s, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países
industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de
expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate
para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces. Las obras discográficas
de bandas de rock a principios de los 70s llevaban meses de grabación, grandes
orquestaciones y millones de dolares como inversión; sin mencionar lo costoso y
elaborado que resultaban las majestuosas y pomposas giras y presentaciones en
vivo, las cuales exigían enormes escenarios, apoyos lujosos que iban desde
iluminación y escenografía, hasta fuegos pirotécnicos. Todo esto alejaba el rock
de la gente común, y pronto el status de rockero dejó de ser identificable con la
vida cotidiana del joven promedio. Una primera corriente de nuevas bandas buscó
regresar al rock a sus bases primitivas, a la simplicidad y el minimalismo.

Muchos se abanderaron bajo el mote de Garage, tomando como principal

influencia el sonido de guitarras impuesto por lo que en Estados Unidos se llamó
invasión inglesa (The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones, etc), recrudeciendo
más el sonido y con composiciones menos profesionales. Estos grupos después
serían bautizadas como parte del movimiento proto-punk, ya que estas, junto con

65
otras bandas y estilos serían quienes ya fuera con su sonido o sus ideales (la
actitud de "hazlo tú mismo" comenzaban a asomarse en algunos de ellos)
terminarían de darle forma a lo que conocemos como punk. Mientras que en los
setenta, bandas como Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, o Queen -entre muchas
más- llevaban al extremo sus producciones y presentaciones, subiéndose al
estatus de estrellas; en el underground, bandas como MC5, The Velvet
Underground, y los Stooges, ya en los sesenta le habían dado vuelo a un nuevo
género que estallando una década después cambió la historia del rock por
completo.

En 1974, en Nueva York, cuatro chicos de clase media urbana se unirían en la que
algunos consideran la primera banda punk: The Ramones. Sus canciones,
melodías de no más de tres acordes, con composiciones sencillas, sin solos o
grandes arreglos, cuyas letras tratarían temas comunes y de su vida cotidiana, y
en especial su actitud anti-moda, sería la definición perfecta del naciente género
punk, y una pauta a seguir para las bandas por venir.

Por su parte en Inglaterra se terminaría de crear el punk, si bien no tanto

musicalmente, sí sucedería socialmente. Encabezados por los antilíderes Sex
Pistols, la juventud de clase obrera tomaría la guitarra el bajo y la batería como
armas y medios de expresión para gritar al mundo su repudio al orden social. Tal
como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos
tomaron influencias de otros géneros, dándole un toque característico y especial al
punk británico; el cual tomaría influencas del glam rock, con sus pequeños riffs y
su indumentarias; y del reggae y ska jamaiquinos, el cual es notable en especial
en The Clash, considerado junto con los Sex Pistols el principal grupo británico de
punk.

Así pronto Nueva York se convertiría junto con Londres en la cuna del punk,
atrayendo a miles de jóvenes que hasta entonces no sentían que pudiesen encajar
con un mundo que se pintaba ajeno a su sentir.

Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en

muchos subgéneros, algunos determinados por características musicales, otros
simplemente por sus letras o las ideologías que respaldaban.

En el punk español de los años 1980 en adelante encontramos bandas tan

significativas como Eskorbuto y Manolo Kabezabolo.

66
La filosofía punk

Artículo principal: Ideología punk

Un punk frente a un grupo de policías

La filosofía punk puede resumirse en "Házlo tu mismo". Rechaza los dogmas, y no

busca una única verdad. Cuestiona todo lo que rodea, con un desprecio por las
modas y la manipulación mediática. También está en contra del consumismo y
llama a la gente a no dejarse engañar y a pensar por sí mismos.

Entre las ideologías que suelen ir asociadas al punk se encuentran el anarquismo,

el antimilitarismo y el antifascismo (por la diferencia de clases y racial). La filosofía
punk se centra en la libertad, la igualdad, buscando liberarse de la opresión y de la
autoridad, así como de los estigmas sociales.

Algunas personas, como muchos de los que a partir de la década de 2000 se

unieron al nuevo boom punk (Avril Lavigne, blink-182, Good Charlotte, etc.), usan
la estética, descartando la filosofía(poseurs), siendo categorizados usualmente
dentro del subgénero Happy punk, el Pop punk o el Neo Punk.

Subgéneros y estilos relacionados

La estructura sencilla del punk no permitió que se quedara inmóvil, pues pronto se
hubiera secado. Así, las bgandas, buscando hacer algo diferente o simplemente
su propia evolución, fueron agregando elementos que darían paso a la creación de
nuevos sonidos y nuevos estilos.

67
Por otra parte pronto el punk se politizaría, para bien o para mal y tomaría
tendencias que también los definiría como subramas del punk.

Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, pues en repetidas

ocasiones la línea que divide un estilo de otro se basaba en detalles mínimos,
pudiendo hoy en día bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros.
Como en todos los casos, existe gente que no considera que existan subgéneros y
clasifica todo como punk; y otros que exageran la ramificación del género creando
algunas definiciones en base a pequeñeces que a la larga llevan a confusiones
entre uno y otro género.

Entre estos subgnéros podemos identificar los siguientes:

¾ Ska-Punk. Es la rama del punk combinada con el ska, con ritmos rápidos y uso
de instrumentos como trompetas o saxofones.

¾ Metalcore. Es la rama del punk que se combina con el metal, acelerando este
último, llegando a un ritmo rápido pero a la vez con alta armonía y diversidad
de sonidos.

¾ Hardcore. Este género es el más amplio de todos.

¾ Post-Punk. Movimiento más melancólico que se caracterizó por la

deceleración del ritmo, la tristeza en las letras y el luto por el punk encabezado
por la frase "Punk is Dead".

¾ Punk goth. Es la rama del punk que mezcla el punk y el movimiento gótico. Se
pueden citar bandas como The Adicts o AFI.

¾ Psychobilly. Definido como una mezcla de punk con rockabilly. Algunos

grupos representativos son The Meteors y Nekromantix.

¾ El Happy Punk. Es un género musical moderno, derivado del punk.

Tuvo su origen a inicio de los 90's cuando la banda californiana Green Day bajo
influencia de otras bandas como The Offspring y Bad Religion produjo una
variación algo menos agresiva de Punk. En la misma epoca aparece la banda
blink-182 que consolida el estilo.

Tiene riffs de guitarra rápidos similares al punk original pero describiendo melodías
más legibles, y ritmos de batería similares al hardcore. Las letras no suelen
abarcar los temas típicos del punk (ideología, lucha social, etc.) sino más variados,
normalmente emocionales, de humor adolescente y románticas.

68
Las bandas de este estilo y sus fans no suelen tener la apariencia asociada a los
punks originales, (corte de cabello mohicano, ropa deteriorada, botas militares,
etc.) pero puede ser parecida en algunos aspectos (tatuajes y piercings). A veces
coincide con la apariencia de los seguidores del hip – hop (ropa ancha, gorras,
etc.).

Los seguidores del punk más tradicional critican al género por considerarlo
adscrito al "pop" y falto de compromiso político.

Con el gran boom del Happy Punk en los 90s, surgieron una serie de bandas de
este género, como Simple Plan, New Found Glory y Sum 41, presentando éstas
una gran diferencia con las bandas pioneras de este contexto por su melodía más
alegre.

El pop punk surge de la fusión del punk rock con el emo (música emocional) y el
pop, resultando un tipo de punk melódico con letra emocional. Se debe mencionar
que el pop punk no posee la misma filosofía y la misma estética que el punk rock.

En inglés se utiliza mucho el término Pop Punk, abreviatura de "Popular Punk"; es

decir, música Punk que deja la esencia del Punk y su actitud, y se populariza en
un ámbito más abierto, y a un amplio sector de público (al panorama rock e incluso
al pop).

En castellano se suele aceptar el término Punk Pop (música Punk Popular). A

veces en inglés hay gente que tiende a diferenciar el "Pop Punk" con el vocablo
"Punk Pop", donde se refieren con este último término a la música de influencias
del sonido Punk Rock tradicional pero sin la actitud de estos; sin embargo esta
gente cree que el término "Pop Punk", al ser "Popular Punk", sí que debe tener la
actitud Punk con sus ideas y manera de promocionarse.

También se suele conocer este estilo con el nombre de Happy punk.

Los orígenes del estilo

Los orígenes del estilo son el rock melódico, el punk rock, la música emocional, y
el pop. La instrumentación del pop punk es igual a la del punk puro (guitarra, bajo
y batería). Se debe aclarar que puede haber cierta orquestación, diferenciándose
de las melodías simples del punk puro. La guitarra suena melódicamente, y el bajo
la acompaña con veloces acordes. La batería posee un gran tiempo acelerado y a
diferencia del punk puro, no es tan agresiva. La letra posee un contenido
emocional fuerte, habla del amor, o expresa los sentimientos de los cantantes. El
vocalista generalmente tiene un trabajo vocal mucho mayor que el del punk rock
convencional. El ambiente artístico y la estética del pop punk es de tendencia
rockera, pareciendo así que estuvieran cantando rock.

69
Historia del pop punk

El pop punk los forman algunos grupos que pertenecían al movimiento punk y se
caracterizaban por expresar sus sentimientos, sus emociones y por hablar del
amor mediante la música. No le gritaban al mundo su repudio al abuso de poder,
las clases sociales y a la manipulación mediática, como los demás punk,
calificándose como los "Punk pop" y ganándose así el rechazo de muchos punks.

Algunos consideran que el verdadero inicio del movimiento punk emocional, lo

inician tres jóvenes de clase media-baja de tendencia rockera de los Estados
Unidos de América, Mark Hoppus, Tom DeLonge y Scott Raynor. En 1999
aparece el disco "Enema of the state" de estos músicos, blink-182. En él, dejaban
su anterior estilo musical: el hardcore melódico / punk rock. Este álbum se
populariza a través de videoclips en la MTV y demás cadenas y emisoras (no sólo
en la escena Punk). Musicalmente hablando, el cambio es debido a que las
guitarras son más limpias, la producción está más cuidada, el ritmo es menos
acelerado y menos agresiva la música.

Luego le siguieron otros grupos como Good Charlotte, My Chemical Romance,

Simple Plan, Rufio, etc. En el caso de Green Day las diferencias son únicamente
musicales, ya que Green Day es un grupo abierto a la música de cabecera
mainstream, y al rock en general, de ahí que haya gente que los considera
actualmente Punk Pop.

Algunos grupos han cambiado el tradicional Punk Pop de finales de los 90's, y se
han apuntado a una nueva corriente de este estilo, más lenta, más melancólica,
más emocional, donde las letras son más profundas y/o sentimentales. Son
llamados por mucha gente pop punk o Punk Pop. Grupos como los actuales
Yellowcard, Something Corporate, Fall Out Boy, etcétera.

Otro estilo directamente relacionado con estos géneros es el Power Pop.

Estética y filosofía de los "Pop punk"

Su vestimenta es ordenada y decente, con peinado raro, pero a veces con una
apariencia de extravagancia, sus principales características de vestimenta y
filosofía es seguir a la moda y la seriedad, a diferencia de los punk rockers.

El neo punk (del latín neo: ‘nuevo’ y el inglés punk) es el nombre del "nuevo punk"
estadounidense con tendencias al happy punk y el pop punk

70
Resumen
Barcelona capital del diseño mundial. Con este atrevido y sin duda arrogante
supuesto nació hace justo 10 años la primera edición de la Primavera del Diseño
en Barcelona. Un evento que cual la primavera florece e invade la capital catalana,
pero cada dos años, coincidiendo con Construmat y tras el Salone del Mobile de
Milán. Corría el año 1991 y la euforia preolímpica dio alas para lanzar una de las
iniciativas promocionales más audaces que se conocen en el sector: a saber, con
apenas 30 millones de pesetas convertir la ciudad en un foro internacional sobre
diseño industrial y gráfico. Eso fue posible por diversos motivos, primero porque el
Ayuntamiento tenía ganas de jugar baza al respecto y la Generalitat también
apostó por ello, una loable e insólita entente por aquel entonces. Segundo porque
el diseño español vivía un dulce momento aupado mediáticamente por la eclosión
creativa de finales de los ochenta. Y tercero porque la sociedad civil catalana del
diseño puso manos a la obra.

Minimalismo, movimiento surgido a principios de la década de 1960 en Estados

Unidos como reacción al expresionismo abstracto. En 1965, el teórico y artista
Donald Judd, publicó un artículo en la revista Specific Objects en el que exponía
las razones por las que abandonaba la pintura en favor de la escultura como
soporte para expresar sus ideales de absoluta objetividad.

El Minimalismo también se conoce como arte ABC, arte mínimo, reductivismo o

arte de rechazo. Las más notables obras minimalistas se destacan por su atención
a los más insignificantes detalles, sin necesidad de recurrir al empleo de grandes
ornamentos. Muy de moda en los Ángeles, Nueva York y la mayoría de las
grandes ciudades de Norteamérica y Europa, este movimiento se aprecia tanto en
los edificios corporativos, como en los condominios, las tiendas y los restaurantes.
Perseguido como nunca antes por 'fashionistas', artistas e intelectuales, el
Minimalismo se encuentra en su máximo... o más bien en su mínimo esplendor.

Arte de la basura; Arte innecesario; Arte de sobra; Arte de Detritus; Arte de la

diversión... Comenzó todo con el cubo-casquillo. Por años 70 tempranos tenía una
colección de cerca de 60, con los especímenes más finos adornando mis paredes.
Sobre los años próximos desaparecieron, abandonado en mis movimientos. Pero
el recoger es un hábito que es duro de romperse.

El término inglés punk no tiene un significado claro. Es un término despectivo cuyo

significado puede variar, aplicándose a objetos (significando algo así como
basura) o a personas (significando vago, despreciable, o también basura, escoria).
El autor William Burroughs escribió en la época que: "punk significa alguien que le
gusta

71
La filosofía punk puede resumirse en "Házlo tu mismo". Rechaza los dogmas, y no
busca una única verdad. Cuestiona todo lo que rodea, con un desprecio por las
modas y la manipulación mediática. También está en contra del consumismo y
llama a la gente a no dejarse engañar y a pensar por sí mismos.

El pop punk surge de la fusión del punk rock con el emo (música emocional) y el
pop, resultando un tipo de punk melódico con letra emocional. Se debe mencionar
que el pop punk no posee la misma filosofía y la misma estética que el punk rock.

72
Tema 3. Diseñadores actuales
Subtemas

3.1 Philippe Starck, Ettore Sottsass, Ross Lovegrove o Jonathan Ive.

3.2 Influencia de otros campos artísticos y culturales en el diseño
3.2.1 Filosofía
3.2.2 Literatura
3.2.3 Artes Escénicas
3.2.4 Cinematografía

Objetivo de Aprendizaje
Al término del tema el estudiante conocerá a las figuras más representativas del
diseño actual así como su relación con diferentes campos artísticos.

Introducción
El arte actual, desde las últimas décadas del siglo pasado, está en una situación
de transformación, tanto en el plano teórico como en el práctico. Como otros
aspectos de la sociedad, los criterios por los que se regía hasta ahora han
cambiado radicalmente. Entre los factores que han propiciado este cambio
podemos citar: el impacto de las nuevas tecnologías; la aparición de nuevos
medios electrónicos de expresión; la incorporación masiva de la mujer al ámbito
creativo; las nuevas formas de relación personal; la aceptación de la diversidad
socio-cultural; y el reconocimiento de la homosexualidad. Todo esto se refleja en
los temas que tratan los artistas y en los medios que utilizan. Todo vale con tal de
impactar o conectar con el público. Frecuentemente el artista abandona toda
reflexión intelectual en favor de la originalidad y la creatividad. Como dice Karl
Ruhrberg, "a veces, la distancia entre la ambición filosófica y teórica de una obra
de arte y la banalidad de su plasmación llega a ser tan grande que llega al
absurdo".

La pintura actual no escapa a esta situación. La distinción entre abstracción y

objetividad es ya algo anacrónico. Todo vale, desde la pintura estrictamente
conceptual y radical, hasta la "pintura por la pintura" más elemental y las
configuraciones eclépticas. No ha cristalizado ninguna tentativa innovadora y de
momento este tradicional medio artístico parece que está agotado.

73
3.1 Philipple Starck, Ettore Scottsass, Ross Lovergrove o
Jonathan Ive

Jonathan Ive es el actual vicepresidente de diseño industrial en Apple Computer.

Nació en 1967 en Londres. En 1985 estudió diseño y arte en la Escuela
Politécnica de Newcastle (actualmente Universidad de Northumbria).
Posteriormente, creó su propia firma de diseño: Tangerine. Apple Computer era
uno de sus clientes hasta que en 1992 se mudó a San Francisco, para unirse al
equipo de diseño de Apple.

Jonathan Ive

Entre sus diseños más aclamados se encuentra las tres generaciones de iMac, el
PowerMac Cube (que esta expuesto en el MOMA), el iPod y el Power Mac G5.

A principios de 2006 fue nombrado Caballero del Imperio Británico por la reina
Isabel II.

Cuando Apple presentó en Primavera del 98 el "iMac de la era Espacial" (como fue
denominado en la Unión Americana), causó una verdadera conmoción y un gran
impacto ya que, no sólo incorpora todas las facilidades para un usuario exigente,
sino que no se parece a ningún otro computador, es decir, es absolutamente única
e incomparable desde el punto de vista que se mire, eso sin mencionar que es una
máquina verdaderamente económica para las características con las que cuenta.

74
El iMac demuestra la original creatividad del grupo de diseño de Apple, dirigido y
encabezado por el famoso diseñador industrial británico Jonathan Ive (es de su
apellido "Ive" que se le nombra "iMac" a este ordenador aunque, para hacer
comercial el asunto, la gente de Apple dice que la "i" proviene de "Internet", es
decir, "Internet Macintosh").

Posteriormente en 1992, se traslada a San Francisco a trabajar en las oficinas de

Apple. En esos tiempos la empresa de la manzana estaba de gira mundial en
busca de consultorías internacionales. Tangerine en ese tiempo, no tenía la
experiencia de trabajar con productos de alta tecnología (mucho menos con
productos que utilizaran tecnología de punta) ya que trabajaban con TVs,
microondas, reproductoras de video, planchas así como con lavabos y bañeras así
que, fué con Apple que esta empresa por primera vez entrara al mercado
informático, en una computadora que no nada más se encasilla en el nicho de
"máquina casera", sino que su uso va desde una máquina de escribir hasta una
poderosísima herramienta multimedia pasando por Internet, creación de sitios
Web e incluso trabajos de DTP (Desktop Publishing).

El proyecto iMac, desde el principio estuvo guiado de cerca por Steve Jobs.
Obviamente Jobs tenía muy en claro lo que el iMac debía presentar en todos los
niveles (prestaciones, precio, mercado, diseño, pero sobre todas las cosas,
funcionalidad). Hay que mencionar que la producción del iMac fué muy difícil ya
que ha significado uno de los proyectos más complejos en los que Apple y el
mismo Ive han estado involucrados y es que, cuando se diseña algo sumamente
innovador los grupos de trabajo no pueden trabajar por separado.

El equipo de diseño que realizó el concepto iMac tuvo que trabajar estrechamente
con el equipo de ingeniería debido al reducido tamaño del iMac. También se
tomaron en cuenta factores importantes como temperatura, ruido, y ventilación.
Tomando en cuenta todos estos factores, el iMac ha resultado ser un producto
pequeño, ventilado y silencioso a la vez que resulta increíblemente rápido

Todo en el iMac es tan diferente y esto se debe a que a que se tuvo en cuenta
cada detalle (hasta las etiquetas del producto, las cuales usaron un nuevo proceso
de impresión que nunca se había empleado). El equipo de diseño de iMac empezó
olvidando todas las nociones preconcebidas sobre el aspecto que debería tener un
computador. Se permitieron incorporar materiales, colores y formas que nunca
antes se habían usado en el diseño de computadoras. Los emblemas son
tridimensionales y parece que están en movimiento. Debido a que el Imac es
translúcido se tuvo que diseñar hasta la forma de la tarjeta madre. Por otro lado, la
resina transparente de la carcasa planteaba en sí un problema, debido al volúmen
de productos que se debían fabricar.

Apple y el equipo de diseño, se tuvieron que asegurar de que el color y el nivel de

transparencia fueran exactos en todos los computadores. Esto ocasionó que se

75
contactaran con un socio dedicado a la gran industria de las golosinas (esto
debido a que la mayor’a de los caramelos son translúcidos). Estas personas,
aportaron una experiencia fundamental en el control de la composición de los
colores. El ratón es otro ejemplo en que, debido al material translúcido, se optó por
diseñar también el interior, ya que formaba parte de la apariencia externa.

La bola del ratón es de dos colores, así que al mover el ratón se puede observar
como cambian los colores. La respuesta es que mucha gente ve el diseño como la
forma básica de diferenciar un producto de la competencia, esto es una
mentalidad 100% empresarial que toma en cuenta al usuario.

Es importante enfatizar que el objetivo de iMac no fué únicamente crear un

producto diferente, sino productos con los que la gente estuviera encantada. La
diferencia fue una consecuencia directa del objetivo principal. Así mismo, Apple es
una empresa que nació con el fin de innovar y el riesgo sería NO innovar.

Steve Jobs tiene un punto de vista muy claro sobre lo que implica volver a las
raíces de la empresa y estructurar la compañía para que sea posible crear nuevos
productos. Incluso se piensa que ese es el motivo de que muchos clientes que se
desilusionaron con Apple en los últimos años han seguido fieles a la empresa, por
esa relación especial que tuvieron con Apple en su primera etapa, tan es así, que
una estadística en el pasado MacWorld del mes de Enero en la ciudad de San
Francisco anunció que se vendió 1 iMac cada 6 segundos en la Unión Americana
durante el año de 1999 (estamos hablando de millones de iMacs vendidas). En
Conclusión iMac es un reto intelectual de dar respuesta a esas preguntas difíciles
como: ¿qué es eso?, ¿qué es lo que hace?, ¿cómo voy a usarlo?, ¿dónde y en
qué voy a usarlo? y la más difícil ¿cuánto cuesta? y el resultado de dar respuesta
a esas preguntas a través del diseño se vuelve en algo sumamente atractivo. El
resultado: un computador totalmente diferente, que sin embargo se adapta a los
estilos de vida y trabajo de los usuarios

76
Ettore Scottsass

Ettore simmer-sentado en las áreas del diseño industrial, de la decoración interior

y de la comunicación visual activamente; asimismo él cuida para los proyectos
arquitectónicos numerosos por todo el mundo. Su trabajo fue demostrado en el
marco cerca schauen en Berlín, París, Jerusalén y Sydney. Ettore simmer-sentado
es por las décadas una de las personalidades más influyentes del diseño
internacional.

77
3.2 Influencia de otros campos artísticos y culturales en el
diseño
Artes y Comunicación, dos conceptos que nos hablan de la especificidad de las
capacidades humanas. Asociados a ellos, un tercer concepto: el de la creatividad.

El arte, en sus diversas expresiones, se hace presente de diferentes modos en

nuestra vida cotidiana, tanto por su valor productivo para el sujeto que lo produce,
como por su consumo, sea éste de carácter privado o público.

¾ Miles de personas asisten a recitales al aire libre organizados por distintos

organismos públicos.

¾ El principal bailarín de ballet atrae 50.000 asistentes en cada presentación

gratuita que ofrece en escenarios callejeros o en un estadio de fútbol.

¾ Un museo de Bellas Artes muestra arte francés del siglo XIX, en honor al
aniversario de un paisajista de dicho país.

¾ Un coreógrafo extranjero se presenta en el viejo estadio de box de la ciudad,

para homenajear con un espectáculo a una estrella de rock y a un bailarín.

¾ Acróbatas y andinistas interpretan una coreografía aérea uniendo vértigo,

placer, belleza y emoción.

¾ Los medios de prensa debaten méritos y problemas estéticos e históricos de

películas que ofrecen distintas versiones de un mismo período de historia
nacional.

¾ El control remoto de nuestro televisor nos lleva, a través del zapping, a "asistir
a óperas, museos, al último video clip de una estrella de rock o a una
retrospectiva sobre un pionero del arte objetual.

¾ Colecciones de piezas musicales de los siglos XVII y XVIII se alternan con

otras de rock nacional vendidas a través de un semanario de noticias.

¾ Miles de personas asisten anualmente al Eiestedffod en donde, alrededor de la

poesía, gozan de una gran variedad de actividades culturales y artísticas.

¾ Artistas suscitan polémicas por cubrir puentes, teatros o rascacielos con tela, o
bien salpicar con pintura a un público que asiste, a un estadio de fútbol, para
aceptar lo imprevisto de una experiencia única.

78
¾ El principal teatro lírico presta su edificio para un recital de figuras del rock, el
tango y el folclore iniciándose una disputa acerca del tipo de arte para el que
debería destinarse un escenario tan preciado.

Tomando la idea de enumeración de hechos artísticos, realizada por Flavio Terigi

en "Arte y Escuela", afirmamos que el arte ocupa un lugar central en la
experiencia del hombre ya que hace referencia a nuestra propia cultura y a
su posibilidad de comunicación.

En cuanto a la enseñanza de la Comunicación en las distintas instituciones

educativas debemos señalar dos malentendidos que han marcado durante mucho
tiempo su desarrollo. El primero de estos malentendidos es aquel que tiende a
conceptualizar los procesos de comunicación como la simple circulación de
mensajes entre un emisor y un receptor utilizando un determinado canal

La producción artística tiene un componente social y cultural importante y es la

sociedad la que elabora y "consume" los distintos lenguajes, sus códigos y sus
significados. Acercaremos a nuestros alumnos al aprecio y goce de nuestro
patrimonio cultural, así como al reconocimiento de los diferentes criterios y estilos
en diversos tiempos y entre sociedades. Esta es nuestra tarea como educadores
de este campo de conocimiento.

3.2.1 Filosofía
La ciencia se basa fundamentalmente en ciertos principios filosóficos: que realidad
es objetiva y constante, que los seres humanos tienen la capacidad de percibir
realidad exactamente, y que las explicaciones racionales existen para los
elementos del mundo. Si estos axiomas básicos fueran falsos, la ciencia sería no
funcional - los descubrimientos hechos hoy no tendrían ninguna relación a los
experimentos hechos mañana.

Es importante que la realidad sea objetiva porque la investigación científica no

puede continuar si la realidad depende de grupo o de opiniones individuales. La
ciencia confía en un universo independiente de observadores humanos. La
realidad debe también ser constante porque los experimentos hechos a cualquier
momento deben ser relacionados a los experimentos hechos en otros. La ciencia
confía en percepciones humanas y fallaría si estas percepciones eran inválidas.
Finalmente, la ciencia depende de la idea que las explicaciones racionales existen
para el mundo y se pueden obtener con experimentos cuidadosos.

Esta breve producción tendrá como eje al fundador de la racionalidad y

subjetividad modernas René Descartes puesto que, a partir de él, el sujeto
pensante, la "res cogitan", cobra un rol fundamental en el área del conocimiento.

79
El universo de este pequeño análisis estará configurado por la primera de las
Meditaciones Metafísicas- (en la que se demuestra la existencia de Dios y la
distinción del alma y del cuerpo") y la cuarta parte del Discurso del Método
("Pruebas de la existencia de Dios y del alma humana o fundamentos de la
metafísica").

Acotando aún más la red discursiva, focalizarè mi atención en la concepción de la

figura divina y en la importancia del método para arribar a verdades claras y
distintas.

Intentaré demostrar la amplia religiosidad de quien, en vida, fue acusado de

ateismo y cuyas obras llegaron a ser quemadas.

1. Síntesis histórica.
Considero relevante presentar una breve contextualización histórica (siglos XV
al XVII) antes de introducirme en el tema.

¾ El capitalismo va desplazando al feudalismo.

¾ Nace la burguesía.
¾ Se abre el mundo con los viajes de descubrimiento y conquista.
¾ Comienzan a consolidarse los Estados Nacionales.
¾ Se produce la Reforma Protestante.
¾ Copérnico postula el Sistema Astronómico Heliocéntrico.
¾ Kepler enunciará las leyes del movimiento de los planetas.

2. Síntesis del método cartesiano.

Si bien no voy a adentrarme en este tópico particular, no puedo dejar de
mencionarlo.

El Método: "entiendo por ello a reglas ciertas y fáciles cuya exacta

observancia permite que nadie tome nunca como verdadero lo que es falso, y
que, sin gastar inútilmente ningún esfuerzo de inteligencia, llegue, mediante un
acrecentamiento gradual y continuo de ciencia, al verdadero conocimiento de
todo lo que sea capaz de conocer" (Reglas para la Dirección de la mente.
Regla IV. Aguilar 1983, pág. 157).

El método se presenta como un conjunto de pasos a seguir por quienes

quieran conocer la verdad y su definición encierra un criterio de verdad al
afirmar "que nadie tome nunca como verdadero lo que es falso" , de allí que la
primer regla sea la de evidencia:

1ª. Regla de evidencia: aceptar solamente como verdadero aquello que sea
tan claro y distinto que no pueda despertar ninguna duda en mi espíritu acerca
de su certeza.

80
 2ª. Regla de análisis: dividir las dificultades en las partes necesarias para
resolverlas.

3ª. Regla de síntesis: ordenar los conocimientos desde los simples hacia los
complejos, de modo gradual.

4ª. Regla de enumeración: hacer enumeraciones tan completas y generales

que me dieran la seguridad de no caer en ninguna omisión

Esta es la vía regia para llegar al conocimiento verdadero, de hecho, en la

cuarta regla de "Reglas de dirección de la Mente" (Pag 156. Aguilar 1983)
Descartes enuncia: "para la investigación de la verdad de las cosas es
necesario el método".

Efectivamente, este es el método que va a aplicar a lo largo de su vida. En

todas sus obras da cuenta implícita o explícitamente de ello e insita al lector a
ponerlo en práctica.

Nota: M.M será Meditaciones Metafísicas.

D.M será Discurso del Método.

3. Desarrollo
"El mundo está relacionado a una inteligencia, por lo tanto, el bien de la
inteligencia, la verdad, será su fin último"

Santo Tomás de Aquino.

1. La duda radical
Este contexto genera desolación en la humanidad moderna, pone en jaque y
quiebra, de modo inevitable, los cimientos del edificio del saber sustentados
por la iglesia durante toda la Edad Media.

Con la libre interpretación de la Biblia propugnada por el protestantismo, con la

teoría heliocéntrica que desplaza La Tierra como eje de La Creación también
se corre al hombre del mismo y éste comienza a dudar de los conocimientos
que tenía por ciertos, cuyo vocero era la Iglesia Católica.

En este ambiente de devenir constante y precipitado es que Descartes

comienza a plantear la necesidad de dudar de todo, derribar los conocimientos
erróneos, desde la raíz y llegar a una primer certeza de la que no se pueda
dudar para reconstruir; sobre esa certeza, un conjunto de saberes claros y
distintos.

81
 El autor toma la duda como sistema y como método para apartar a la mente de
los prejuicios que emanan de los sentidos que son engañosos y en los cuales
no se puede confiar pues no son fuente de conocimiento certero.

2. Sobre ciertas cosas de las que no se puede dudar. Sobre la distinción de

disciplinas del conocimiento.
Aquí menciona que, aunque provengan de los sentidos, hay cosas de las que
no se puede dudar "¿Con que razón se puede negar que estas manos y este
cuerpo sean míos?" (M.M pag 46). Sostiene que para ello debe asemejarse a
los dementes pues incluso, aunque no puede diferenciarse lo onírico de la
vigilia, "aunque estos órganos generales puedan ser imaginarios, se habrá de
reconocer al menos otros más simples y universales" (M.M pag 48).

Hace una distinción entre las disciplinas que dependen de los objetos reales,
de las cosas compuestas – de las que se puede dudar – (astronomía,
medicina, etc.) , y de aquellas que se basan en objetos ideales, en cosas
simples y generales – que brindan algo cierto, pues no se preocupan por si
existen en la realidad o no – (aritmética, geometría, etc).

Estas últimas se hallan en el escalón más alto del racionalismo artesiano, pues
su existencia no depende de la naturaleza y por extensión, tampoco de los
sentidos.

En esta clasificación puede verse la aplicación de la regla de síntesis –

ordenamiento que parte de lo simple a lo complejo-.

3. Sobre la existencia de Dios. Sobre el "genio maligno".

Al abordar el tema de Dios el discurso cartesiano deja entrever claras
influencias platónicas. Se lee "está grabada en mi mente una antigua idea, a
saber, que existe un Dios que es omnipotente y que me ha creado tal como
soy yo" (M.M pag 48). En esta frase puede verse la alusión a las verdades
innatas, a la teoría de la reminiscencia, del paso del alma –que habitaba el
mundo inteligible, de las ideas- por el "río del olvido" hacia el mundo sensible,
obligada a "recordar" verdades que ya posee y que se ven opacadas por los
sentidos.

Al referirse a Dios inicialmente también se instala la duda, pero luego concluye

que éste es suma bondad. Supone un Dios óptimo e introduce la hipótesis de
un "genio maligno" que se empeña en hacerlo errar. Todo lo externo es artificio
de éste, que le tiende trampas a su credulidad y que intentará vencer
valiéndose de su método racional.

82
4. Sobre la evidencia primera. El primer principio de la filosofía cartesiana
En la cuarta parte del Discurso del Método (D. M.) Descartes se adelanta a las
Meditaciones, sostiene el engaño de los sentidos, el ejercicio de la duda radical
y la necesidad de llegar a una verdad primaria, a una especie de primer motor
inmóvil aristotélico, a una causa primera sobre la cual se apoyen todas las
demás cosas.

Esta causa primera emana de la duda acerca de la propia existencia.

Descartes concluye que al dudar hay algo de lo que no puede dudar y esto es
que si no fuera algo que duda no podría dudar de todo. Por lo tanto, soy algo,
algo que duda, algo que piensa y por consiguiente que existe. Aquí aparece la
primer certeza: cógito ergo sum.

Este "Pienso, luego existo" podría caratularse como la "garantía" de existencia

de la filosofía de Descartes, quien sostiene: "mi mismo pensamiento de dudar
de todo constituía la prueba más evidente de que yo existía" (D. M. pag Estudio
Introductivo, F. Larroyo, pag 55, Ficha de Cátedra.2000).

5. Sobre la existencia de Dios en Fundamentos de la Metafísica.

Descartes introduce la idea de Dios en este fragmento de su obra al concluir
que su ser es imperfecto porque el conocimiento supone mayor perfección que
la duda "Quise indagar de dónde había aprendido yo a pensar en algo más
perfecto que yo mismo, y conocí con evidencia que tenía que ser de alguna
naturaleza que, en efecto, fuese más perfecta" (D.M pag 73, Aguilar, Argentina
1983).

Ya que, como cosa que duda, es un ser imperfecto y puesto que hay algunas
cosas en él, como la idea de un ser perfecto, superior al suyo; que no pueden
emanar de su naturaleza falaz y puesto que, lo perfecto no puede proceder de
lo imperfecto "La única solución posible era que aquella idea hubiera sido
puesta en mi pensamiento por una esencia más perfecta que yo y que
encerrara en sí todas las perfecciones de que yo tenía conocimiento" (D. M.
Estudio Introductivo. F. Larroyo, pag 56. Ficha de Cátedra. 2000).

En esta cita se trasluce nuevamente la doctrina platónica de las ideas innatas

(ideas perfectas del mundo inteligible), grabadas en el alma, "puestas en el
pensamiento" por una esencia perfecta (ser que es suma bondad, omnipotente,
etc. Ente general y perfecto, como las ideas de Verdad, Bien, Justicia..., que
conforman el mundo de las Ideas dentro del dualismo de Platón).

Descartes supone la existencia de Dios a partir de su conocimiento de

perfecciones que le son ajenas y que no posee. Ve en Dios a la fuente de
estas ideas que superan su naturaleza dubitativa –y por tanto, imperfecta-,
como la fuente de todo lo que tiene y como ser del cual depende ya que, si él
fuera independiente de todo otro ser podría tener todo aquello de lo que carece

83
 y poseer todas, o cualquiera de las características perfectas que atribuye a
Dios y en consecuencia, dotarse de una perfección que no es propia de su ser,
conformado por una esencia dual (naturaleza inteligente y corporal), que no se
corresponde con el ámbito de lo perfecto pues "toda composición atestigua
dependencia y (...) la composición es un defecto"(D. M. Estudio Introductivo. F.
Larroyo, pag 56. Ficha de Cátedra 2000) pues en Dios no entra defecto alguno,
ni mucho menos se admite en la idea cartesiana de Dios que Éste sea defecto.

6. Sobre la naturaleza de Dios.

El autor sostiene que para conocer la naturaleza divina debe remitirse a
considerar si las cosas son o no perfectas. Sostiene que las cosas que tienen
alguna imperfección no provienen de Dios ni se hallan en él (menciona la duda,
la inconstancia, etc.).

Atribuye a Dios una naturaleza monista ya que no ve perfección en el

dualismo, considera que Dios no puede estar compuesto por dos sustancias,
por dos naturalezas, ya que los seres de esa naturaleza son dependientes y
Dios no es dependiente sino por el contrario es fuente de las cosas y son éstas
las que dependen de él.

Es indiscutible que Descartes atribuye a Dios una naturaleza perfecta.

José Ferrater Mora en su Diccionario de Filosofía (Alianza Editorial, Madrid,

1979-1980) al hablar sobre las pruebas de existencia de Dios señala que el
fundador del sujeto moderno adhería a la "prueba anselmiana", llamada, desde
Kant, prueba ontológica.

7. La "prueba anselmiana" en la idea cartesiana de Dios.

Esta prueba de San Anselmo tiene que ver con que aquellos que sostienen
que Dios no existe entienden necesariamente la idea de Dios, aunque lo
nieguen como ente real, "Pues una cosa es la presencia de algo en el
entendimiento y otra es entender que lo que está en el entendimiento
existe"(Diccionario de Filosofía /tomo 3, J. Ferrater Mora, 1979-1980. Pag
2428). Aquí puede hacerse referencia a la crítica cartesiana al empirismo que
niega la existencia de todo aquello que resulte ajeno a los sentidos y que se
presenta como la antitesis del racionalismo. La idea de Dios no pasa por los
sentidos, sin embargo, Descartes sostiene que los sentidos son engañosos y
que sólo el entendimiento es un elemento fiable para conocer y es en el
entendimiento y no en los sentidos donde puede comprenderse la idea de
Dios.

Otro de los ámbitos en que pueden establecerse coincidencias entre los

autores se halla en la perfección como característica ineludible de Dios. San
Anselmo dice que Dios existe porque si no existiera no sería perfecto "debe

84
 existir, tanto en el entendimiento como en la realidad, algo mayor que lo cual
nada puede pensarse, y este algo es precisamente Dios" (Idem cita anterior).

San Anselmo ve a Dios como perfecto y a la inexistencia como causa de

imperfección por lo tanto, ésta queda fuera de la naturaleza divina al igual que,
en Descartes, queda fuera la dualidad de sustancias o la causa de cosas
imperfectas que no pueden provenir de Dios.

8. Dios como fuente de ideas verdaderas. Sueño y vigilia.

Se refiere aquí a Dios como garantía de las ideas verdaderas puestas en
nuestro pensamiento, puesto que Él, que es infinita bondad, no colocará jamás
ideas falsas en nuestro entendimiento.

Aunque los hombres verían una extravagancia en la actitud de dudar de las

verdades que tienen como claras y evidentes, estas verdades son menos
ciertas que la existencia de Dios y del alma.

Sostiene que es en la razón donde debemos apoyarnos para obtener certezas,

pues tanto dormidos como despiertos podemos incurrir en errores, pues es
Dios quien pone en la razón ideas con fundamentos verdaderos y a su vez, es
Dios nuestro fundamento.

También sostiene que al tener una naturaleza imperfecta nuestros

pensamientos no pueden ser siempre verdaderos –recordar al genio maligno,
empeñado en hacernos errar- y que resulta más confiable a nuestro
entendimiento la vigilia y no el sueño en donde nuestros razonamientos no son
tan claros y distintos.

85
Conclusión
Es sorprendente observar que la fe en Dios en la obra de Descartes es tan
fundamental y radical como su duda metódica.

Este filósofo que se propuso dudar de todo lo establecido, movido por los avances
científicos de su época, que parecía ir contra la corriente eclesiástica podría ser
considerado propulsor y no saboteador de las ideas de la iglesia ya que toma a
Dios como garantía de conocimiento verdadero, como fuente de todas las cosas,
ajena a cualquier característica de imperfección.

A partir de aquí puedo concluir que la terminología "racional" utilizada vulgarmente

como antagonismo de la fe no es apropiada , al menos en el racionalismo
cartesiano, que se caracteriza por tener una íntima relación con la fe y cuyo
método intenta "salvar" al hombre del engaño de los sentidos, de los
conocimientos falsos en los que recae por su naturaleza imperfecta bisustancial ,
de la misma manera, y salvando las distancias, la doctrina cristina intenta salvar al
hombre de la muerte, del pecado en el cual recae por su naturaleza-semejante a
la de Dios pero débil, e imperfecta a causa del pecado original-, de las tentaciones
del mundo. E intenta guiarlo hacia la felicidad que se halla en el inmenso Amor de
Dios, fuente de todo bien y creador de todas las cosas. Del mismo modo
Descartes intenta "llegar a la felicidad" de conocer cuantas cosas verdaderas sea
capaz de conocer, sorteando los obstáculos que el genio maligno pone en su
camino, del mismo modo que el hombre intenta sortear el pecado para alcanzar su
plenitud terrenal.

Descartes quien fue considerado ateo se muestra en su obra como Teófilo,

amante de Dios como fuente de verdad y garantía de conocimiento certero. Se
reconoce como hombre imperfecto en tanto que duda, se manifiesta dependiente
de una sustancia perfecta que es Dios, a través del cual se graban en su mente
conocimientos perfectos que superan su propia naturaleza.

86
3.2.2 Literatura
La dificultad de una definición suficiente y analítica de la literatura radica en la
imposibilidad de un consenso histórico del término y de su estudio. Mientras los
diccionarios apuntan a definir como una ciencia a la literatura a través del uso del
habla; en los estudios literarios, se debaten por definir qué es lo literario, y qué es
lo no literario, para posteriormente hacer de esa selección de textos o de obras, su
objeto de estudio. Empero, no hay una unidad en sus definiciones. Esto se debe a
que sincrónicamente, la palabra literatura está en un continuo evolucionar. Y lo
que no se consideraba antes parte de la literatura; ahora, más que nunca, se le
considera pieza indiscutible para conformar el corpus literario. Y recíprocamente.

Sobre la literatura

La palabra literatura viene del latín "litterae", y es posiblemente un calco griego de

"grammatikee". En latín, litterae significaba una instrucción o un conjunto de
saberes o habilidades de escribir y leer bien, y se la relacionaba con el arte de la
gramática, la retórica y la poética.

En el siglo XVII, se designaba lo que hoy denominamos “literatura” por medio de la

palabra poesía y elocuencia. Durante el Siglo de Oro español, por poesía se
entendía cualquier invención literaria, no necesariamente en verso, perteneciente
a cualquier género literario (§ A. S.). A comienzo del siglo XVIII, se comenzó a
emplear la palabra literatura, para referirse a un conjunto de actividades en las
cuales el objeto era la literatura. A mediados del siglo XVIII Lessing, publica Briefe
die neueste Literatur betreffend, donde aparece literatura como un conjunto de
obras literarias. A finales del siglo XVIII, el término literatura se enfoca en la
cualidad estética de las obras literarias. Este concepto se puede encontrar en la
obra de Marmontel, Eléments de littérature (1787), y en la obra de Mme. De Staël,
De la littérature considéré dans se rapports avec les institutions sociales (§ A.S.).

En Inglaterra, en el siglo XVIII (§ E.T), la literatura no sólo se refería a los escritos

de carácter creativo e imaginativo sino que abarcaba el conjunto de escritos
producidos por las clases instruidas: cabía desde la filosofía, pasando por los
ensayos, las cartas y la poesía. En la Inglaterra del siglo XVIII, la novela tenía
mala reputación, y se le cuestionaba si debía pertenecer a la literatura. Por eso
Eagleton sugiere que los criterios para definir el corpus literario en la Inglaterra del
siglo XVII eran ideológicos, circunscritos a los valores y a “los gustos” de una clase
instruida. No se admitían las baladas callejeras ni los romances, ni las obras
dramáticas (Una introducción a la teoría literaria, 29). En las últimas décadas del
siglo XVIII apareció una nueva demarcación del discurso de la sociedad inglesa.
Eagleton nos cuenta que surge la palabra poesía como un concepto de la
creatividad humana en oposición a la ideología utilitaria del inicio de la era
industrial. Tal definición la encontramos en la obra Defensa of poetry (1821) de

87
Shelley. En el romanticismo de la Inglaterra, el término literatura era ideario a
sinónimos como visionario o de inventivo. Pero no dejaba de tener tintes
ideológicos, como en el caso de Blake y Shelley, que se transformó en ideario
político, cuya misión era transformar la sociedad mediante los valores que
encarnaban en el arte. En cuanto a los escritos en prosa, no tenían la suficiente
fuerza o el arraigo que los de la poesía, más bien tenían un significado peyorativo
como vulgar, o carente de inspiración (§ E. T.)

La literatura se define por su literaturidad

En la búsqueda de definir qué es literatura y qué es lo literario, surgieron

movimientos de teoría literaria para estudiar y delimitar su objeto de Estudio: La
literatura. A comienzos del siglo XX, el formalismo ruso se interesa por el
fenómeno literario, e indaga qué hace que un texto sea literario, o sobre la
literaridad de la obra. Roman Jackobson plantea que la literatura tiene
particularidades en la forma, que la hacen diferente a otros discursos.

Wolfang Kayser, a mediados del siglo XX, plantea cambiar el término de literatura
por el de bellas letras (Belles Lettres), diferenciándolas del habla y de los textos no
literarios, en el sentido de que los textos literarios-poéticos son un conjunto
estructurado de frases portadores de un conjunto estructurado de significados,
donde los significados se refieren a realidades independientes del que habla,
creando así una objetividad y unidad propia.

El término literatura y sus adjetivos; una suma de Castagnino

Castagnino, en su libro ¿Qué es la literatura?, indaga sobre qué es literatura y

cómo abarca el concepto en las diferentes realidades tales como la escritura, la
historia, la didáctica, la oratoria y la crítica. Según Castagnino, la palabra literatura
adquiere a veces el valor de nombre colectivo cuando denomina el conjunto de
producciones de una nación, época o corriente; o bien es una teoría o una
reflexión sobre la obra literaria; o es la suma de conocimientos adquiridos
mediante el estudio de las producciones literarias (48). Otros conceptos, como el
de Verlaine, apuntan a la literatura como algo superfluo y acartonado, necesario
para la creación estética pura. Por lo cual Claude Mauriac propuso el sentido de
"aliteratura" para contraponer el sentido despectivo de Verlaine. Todas estas
sumas hacen de la literatura una propuesta que depende de los ángulos desde
donde se la vea. Así, Castagnino concluye que la literatura, más que una
definición, es una suma de adjetivaciones limitadoras y específicas.

Si se considera la literatura de acuerdo con su extensión y su contenido, la

literatura podría ser universal, si abarca obra de todos los tiempos y lugares, es
nacional. Si se atiende a los fundamentos del hecho literario, es particular, y si
apunta a una temática, popular.

88
Según el objeto, la literatura será preceptiva si busca normas y principios
generales. La literatura puede ser histórico-crítica si presenta un examen
genealógico. Comparada, si se atiende simultáneamente al examen de las obras,
autores y temáticas. Comprometida si adopta posiciones militantes frente a la
sociedad o el estado. Pura si sólo se propone como un objeto estético. Ancilar, si
su finalidad no es el placer estético, sino que está al servicio didáctico de órdenes
extraliterarias.

Según los medios expresivos y procedimientos, Castagnino alude que la literatura

puede manifestarse en verso o en prosa, donde sus realizaciones pueden ser
Líricas, épicas y dramáticas. Líricas, si expresa sentimientos personales. Épícas si
se constituye en expresión de un sentimiento colectivo manifestado mediante
modos narrativos. Dramáticas si objetiva los sentimientos y los problemas
individuales comunicados a través de un diálogo directo. El fenómeno literario ha
estado en constante evolución y transformación durante todo el tiempo en el que
se encuentra presente. No se le puede nombrar parte de la literatura a un texto en
distintas épocas de la historia porque cambia el concepto de “arte literario”.

Barthes: la literatura como práctica de escritura

Tal libertad de concentrarse en contra del poder se encuentra en otro sistema que
él llama literatura. Para Barthes la literatura no es un corpus de obras, ni tampoco
una categoría intelectual, sino una práctica de escribir. Como escritura o como
texto, la literatura se encuentra fuera del poder porque se está obrando en él un
trabajo de desplazamiento de la lengua, en la cual surten efecto tres potencias:
Mathesis, Mímesis, Semiosis (Barthes, Lección Inaugural, pp. 120-124 ). Como la
literatura es una suma de saberes, no existe un tema general que pueda fijar o
fetichizar a ninguno. Cada saber tiene un lugar indirecto que hace posible un
diálogo con su tiempo. Como en la ciencia, donde la literatura trabaja en sus
intersticios siempre retrasada o adelantada con respecto ella: “La ciencia es basta,
la vida es sutil, y para corregir esta distancia es que nos interesa la
literatura.”(125). Por otra parte el saber que moviliza la literatura no es completo ni
final. La literatura sólo dice que sabe de algo, es la gran argamasa del lenguaje,
donde se reproduce la diversidad de sociolectos o constituyendo un lenguaje límite
o grado cero, logrando de la literatura, del ejercicio de escritura un reflexibilidad
infinita, un actuar de signos (125).

3.2.3 Artes escénicas

Artes escénicas son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de
inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; así como el
espectáculo y la Organización Espacial.

89
Llamamos edificio teatral o sala de espectáculos a aquel espacio arquitectónico
construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo,
ya sea teatro (drama), danza, música o similar. Este espacio, aparte de notables
diferencias producidas por los distintos conceptos que del teatro se han tenido a lo
largo de la historia, mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos
dependiendo de la utilización que de ellos se haga. Nos referimos a aquellas
zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el hecho teatral
se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos elementos, necesita de
su propio espacio, delimitado y privado, para desarrollar con la mayor comodidad
posible la actividad para la que esta destinado.

¿Qué es la escenografía?

La escenografía es el conjunto de telones, trastos, bastidores, etc. que se colocan

en el escenario para crear el espacio ilusorio de la puesta en escena.

La escenografía no forma una parte separada de la puesta o montaje, sino que

tiene que estar integrada en ella formando un todo orgánico.

La escenografía enmarca toda la puesta en escena expresándose a través de

líneas, colores, texturas.., y, a su vez crea un estilo, un ambiente, una época, un
lugar y una atmósfera. Ver también [1]Asociación de Gestores y Tecnicos en
Cultura]

3.2.4 Cinematografía
El cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica
consistente en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la
impresión de movimiento ("kine" en griego significa movimiento y "grafos" escribir
o plasmar). La palabra cine designa también las salas o complejos de salas en los
cuales se difunden las películas.

Como forma de registrar acontecimientos o de narrar historias el cine es un arte al

que comúnmente se le denomina séptimo arte. No obstante, debido a la
diversidad de las películas y de la libertad de creación, es difícil definir lo que es el
cine hoy, sin embargo a las creaciones cinematográficas que se ocupan de la
narrativa histórica o de ficción con fines de entretenimiento o que excluyan como
propósito la información desde un punto de vista periodístico o documental se les
considera como manifestaciones artísticas, por otra parte a la creación documental
o periodística se le clasifica según su género, a pesar de esto y por la presencia
en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia única y
posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos entre otros) es muy
difícil delimitar la cualidad artística de una producción cinematográfica. La industria

90
cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en países como los
Estados Unidos o la India.

Historia del cine

Protohistoria del cine

Secuencia de imágenes tomada por Eadweard Muybridge (1904)

Artículo principal: Precursores del cine

Antes del cinematógrafo muchos inventores intentaron crear mecanismos para

reproducir imágenes con ilusión de movimiento. La invención del cine fue la
culminación de un largo proceso de experimentos sobre la obtención de vistas del
mundo real (Fotografía), la proyección de imágenes (Cámara oscura) y la
persistencia de la visión en las retina (Persistencia retiniana). Los intentos de
Thomas Alva Edison de reproducir imágenes en movimiento anteceden en
algunos años a las primeras producciones en cinta cinematográfica, pero suponían
un avance dentro los intentos primitivos de producción cinematográfica, incluyendo
en algunos casos guión y ambientación en áreas destinadas a este propósito.

91
El cine primitivo

Artículo principal: Cine Mudo

Los Hermanos Lumière

El 28 de diciembre de 1895 ocurre la primera proyección comercial de Cine,

organizada por los Hermanos Lumière. Aunque se suele tomar esta fecha como
"cumpleaños" del cine, existen otros pioneros que simultáneamente en otras
partes del mundo, ya expermientaban aún antes con la ilusión de la imagen en
movimiento.

El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las

películas con sonido. Dado que el cine mudo no podía servirse de audio
sincronizado con la imagen para presentar los diálogos, se añadían intertítulos
para aclarar la situación a la audiencia o para mostrar conversaciones
importantes. Las proyecciones de películas mudas normalmente no transcurrían
en completo silencio: solían estar acompañadas por música en directo,
habitualmente improvisada por un pianista u organista o por el relato oral de un
relator en vivo.

92
Aparición del cine sonoro

Artículo principal: Cine sonoro

En los años veinte surge una nueva tecnología que permite a los cineastas
agregar una banda sonora a los films, ya sea se trate de diálogos, música o
efectos sonoros, que aparecerán sincornizados con la imagen en movimiento.
Aunque no fue la primera película hablada, una de las más famosas en los años
1920 fue el El cantante de Jazz de 1927, que usó el formato Vitaphone, aunque ya
la película Don Juan, de 1926, fue la primera que incorporó sonido (esencialmente
efectos especiales y música original).

Cine en color

Artículo principal: Color (cine)

Mientras que la incorporación del sonido fue rápida y determinó la desparición del
relator y los músicos en vivo, el color tardó mas en ser adoptado por el cine. El
primer proceso de revelado de película color se denominaba Autochrome. El
público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al
blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los
costos frente al blanco y negro, a partir del Technicolor más películas fueron
filmadas en color después del final de la Segunda guerra mundial ya que la
industria vio en el color la forma de diferenciarse de la televisión que se mantuvo
en blanco y negro hasta mediados de los años 60. Hacia el final de los años 60
recién se convertiría el color en la norma dentro de la producción cinematográfica.

Sistema de estudios

Artículo principal: Sistema de estudios

El Studio System fue el medio de producción cinematográfica por excelencia,

desde el final del cine mudo hasta 1948, cuando un fallo de la corte suprema
estadounidense pone fin al monopolio, por el cual los estudios eran dueños de las
productoras y de las cadenas salas de exhibición. Se caracterizó por el gran
protagonismo de los productores en la realización, dejando al director como un
empleado mas y por la aparición del Star System, que implicaba tener a contrato
permanente a un conjunto de actores y actrices exclusivos del estudio, que
protagonizaban las grandes producciones.

93
Cine clase B

Artículo principal: Serie B

El cine Clase B apareció en los tiempos del sistema de estudios de Hollywood, en

los años 30. Se trataba de películas con bajo presupuesto, actores no
reconocidos, que recién comenzaban, o actores que ya estaban en las últimas.
Eran películas que debían ser filmadas en poco tiempo (una semana) y estar
dirigidas a la mayor cantidad de público, principalmente a los adolescentes.
También debían ser comercializadas enseguida. Por lo general eran películas de
género que estaban destinadas a completar la cartelera de exhibición en las salas
en las que se daban dos películas al precio de una. Luego de la caída del sistema
de estudio de Hollywood, cine clase B pasó a ser toda aquella película que se
notaba que tenía muy bajo presupuesto, y más tarde sinónimo de cine bizarro o de
baja calidad.

Vanguardias

Artículo principal: Cine soviético

Poster de El acorazado Potemkin(1925).

Este cine nació inmediatamente después de la Revolución de Octubre, gracias a

las políticas del Gobierno soviético que reconocía la importancia de este medio de
comunicación de masas y estimulaba su producción y la formación de cineastas.
Se caracterizaba por un método de representación no naturalista, la

94
experimentación y la búsqueda de construcción de conceptos desde el montaje. El
realizador se expone a sí mismo, queda evidente su mirada. Se recurrirá mucho al
documentalismo y se explorarán todas las posibilidades expresivas del medio,
aplicando también las ideas del constructivismo.

Expresionismo

Artículo principal: Cine expresionista alemán

Nosferatu (1922), de F. Murnau

Este estilo de hacer cine tiene su correspondencia con la corriente expresionista,

llamada así por contraste a la corriente impresionista del siglo XIX en pintura, es
decir, con aquél tipo de pintura en la que prima la “expresión subjetiva” sobre la
representación de la objetividad.

95
Surrealismo

El surrealista Un perro andaluz (1929)

Artículo principal: Cine surrealista

Este es un movimiento artístico y literario surgido en Francia en el primer cuarto

del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Breton. El surrealismo se
singulariza por el valor que otorga a lo irracional e inconsciente como elementos
esenciales del arte. Algunos exponenstes de este cine pueden encontrarse en
filmes como Un perro andaluz (1928), de Luis Buñuel y La sangre de un poeta
(1929), de Jean Cocteau.

Neorrealismo

Artículo principal: Neorrealismo italiano

El cine neorrealista se caracteriza por tramas ambientadas entre los sectores más
desfavorecidos, abundantes en el uso de los rodajes exteriores, con importante
presencia de actores no profesionales entre sus secundarios, y, con frecuencia,
incluso entre los protagonistas. Las películas reflejan principalmente la situación
económica y moral de Italia en la posguerra, y reflexionan sobre los cambios en
los sentimientos y en las condiciones de vida.

96
Nouvelle Vague

Artículo principal: Nouvelle vague

Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación utilizada por la crítica para

designar a un grupo de nuevos cineastas franceses, surgido a finales de los años
50, que reaccionan contra las estructuras del cine francés existentes en ese
momento y que tienen como máxima aspiración la libertad en varios frentes:
libertad de expresión pero también libertad técnica.

Cine Moderno

Orson Welles

Artículo principal: Cine moderno

A veces denominado New Hollywood o Post-Clásico abarca el período aproximado

de mediados de los sesenta, hasta 1980. Una nueva generación de cineastas
cambiará en esta época la manera de hacer cine, generará una ruptura con el cine
clásico y las antiguas formas de producción, alejándose de las convenciones y
privilegiando la visión personal del artista y la experimentación. Se considera a
Orson Welles como precursor del cine moderno, adelantado a su época, que abrió
las puertas para que los jóvenes realizadores americanos realizaran décadas
después estos cambios, entre otros formaron parte del período: Francis Ford

97
Coppola, William Friedkin, Robert Altman, Martin Scorsese, George Romero,
Roman Polanski, Steven Spielberg.

Cine en la actualidad

Artículo principal: Cine postmoderno

El cine actual, es denominado por algunos como post-moderno, tanto por su lugar
en sucesión al cine moderno como por su proximidad al Postmodernismo. Se
caracteriza por la integración de ingredientes del cine clásico y del moderno,
resignificados y recodificados mediante superposición y simultaneidad. Un nuevo
estilo de lenguaje cinematográfico donde la narración puede no ser lineal ni literal,
los géneros se desdibuja.

Cine digital

En los años 90, el cine comienza un proceso de transición, del soporte fílmico a la
tecnología digital. El primer film con efectos especiales digitales es Tron en 1982,
pero no es hasta mediados los noventa donde la tecnología digital desembarca en
la industria cinematográfica, ya sea en grandes producciones que hacen uso
extensivo de la tecnología digital, como las nuevas películas de Star Wars o
Matrix, hasta la películas hechas íntegramente en computadora, de la mano de
Pixar y otras compañías. Mientras tanto, en el ámbito del video doméstico, surge
un soporte digital, los DVD aparecen como nuevo estándar.

Hoy en día los Estados unidos se preparan para equipar todas sus salas con
proyectores digitales, y los fabricantes hacen líneas especiales de cámaras
digitales para cine profesional, controladores de colorimetría y ediciones para
sustituir la película. Los diferentes formatos de HD, respecto al viejo 35 mm,
ofrecen presupuestos más bajos, facilidad de manipulación en el montaje, agilidad
en el tratamiento y facilidad de introducción de técnicas de síntesis digitales.
George Lucas y James Cameron, por ejemplo, han utilizado estos sistemas de HD
que gran calidad, de tal manera que el resultado final es casi idéntico al film en
algunos casos.

Cine en internet

La historia del video distribuido en Internet comienza en 1994 con la primer

proyección pública de Pulp Fiction de Quentin Tarantino. A partir de allí es práctica
común para las cinematograficas presentar avances o trailers de sus películas y
en el caso de cineastas independientes, se llegan incluso a publicar los trabajos
audiovisuales en versión integra.

98
Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet
Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia de
Internet. Prelinger Archives contiene (hasta mediados de 2005) 1969 películas,
todas ellas de libre uso, ya sea un uso personal o comercial. Entre ellas se
encuentran Duck and Cover e institucionales de las décadas del 30 y 40.

Realización Cinematográfica

Etapas de la realización

Artículo principal: Realización

La realización es el proceso por el cual se crea un producto audiovisual.

Usualmente, en el cine de producción industrial, pueden distinguirse cinco etapas
de realización: Desarrollo, Preproduccción, Rodaje, Post-producción y
Distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como
productivo y la limitación únicamente viene limitada por los medios técnicos
disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).

Equipo técnico

Equipo de filmación en rodaje

99
Dirección

Artículo principal: Director de cine

El director de cine es el profesional que dirige la filmación de una película, el

responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo
técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión
particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones
necesarias para llevar a buen término el rodaje. Previamente habrá intervenido en
numerosas labores, elaborando el guión técnico, un storyboard con la asistencia
de un dibujante, y las plantas, con el auxilio de su asistente. Llevará a cabo la
selección de los actores o casting y de los demás profesionales que integrarán el
equipo, los escenarios en los que se rodará la película, ya sean locaciones
naturales o decorados en estudio, y suele tener también incumbencia en la
redacción final del guión, en colaboración con el guionista.

También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado Script o

Continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director, el Director de
actores.

Producción

Artículo principal: Productor cinematográfico

El productor es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la

elaboración de una película, complementando así la labor creativa del director.
Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y
del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Un productor que no
tiene a cargo aspectos técnicos, sino sólo legales y comerciales se denomina por
lo general productor ejecutivo. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales
del proceso técnico o creativo, se lo llama co-productor.

También forman parte del área el Director de producción, Productor ejecutivo, Jefe
de locaciones y el Asistente de producción.

Guión

Artículo principal: Guionista

Es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original,

una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores

100
se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias y muchos
directores, sobre todo fuera de hollywood son también sus propios guionistas.

Dentro del guión cinematógráfico, se distinguen el Guión literario o

cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y
sonido (efectos y diálogo) y está dividido en actos y escenas, y el Guión técnico
que agrega al anterior una serie indicaciones técnicas (tamaño de plano,
movimientos de cámara, etc) que sirven al equipo técnico en su labor.

También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o

contar con Dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.

Sonido

Artículo principal: Sonido cinematográfico

En rodaje los encargados de sonido serán el Sonidista y los Microfonistas. En la

post producción se sumarán el Editor de sonido, Compositor de la música
incidental, y los artistas de efectos sonoros (Foley) y de Doblaje, para generar la
Banda Sonora Original.

Fotografía

El equipo de fotografía trabajando

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Artículo principal: Director de fotografía

El Director de fotografía es la persona que determina como se va a ver la película,

es decir es que determina en función de las exigencias del director y de la historia
los aspectos visuales del film: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los
movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual del film,
también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de
la imagen y la atmósfera óptica del film.

El equipo de fotografía es el más numeroso y se completa con: Camarógrafo,

Primer asistente de cámara o Foquista, Segundo asistente de cámara, Cargador
de negativos, Gaffer o jefe de eléctricos, Eléctricos u operadores de luces, Grip u
operadores de travelling o dolly y otros asistentes o aprendices.

Montaje

Artículo principal: Montaje

El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas

registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en
escoger (una vez se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los
planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión,
la idea del director y el aporte del montajista.

El montajista puede tener un Asistente de montajista y suele trabajar en conjunto

con la Cortadora de negativos.

Arte

Artículo principal: Diseño de producción

El área de Arte puede tener un Director de Arte o varios de ser necesario. En el

caso de haber mas de uno, estos están coordinados por un Diseñador de
producción, quien esta a cargo de la estética de todo el film en conjunto. Estos
directores tendrán asistentes y encargados específicos como Escenógrafos,
Vestuaristas, Modistas, Maquilladores, Peinadores, Utileros y otros miembros
suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de
esta área especialistas en efectos visuales y ópticos que se realizen en rodajo,
como ser el uso de Trampantojos.

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Cine Independiente

Artículo principal: Cine independiente

Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial
de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no
de autor, mientras que el cine indipendiente lo será casi siempre. Actualmente
existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su
producción puede ser considerada independiente.

Cine de Animación

Bosko antiguo personaje animado

Artículo principal: Cine de animación

El cine de animación es aquél en que se usan mayoritariamente técnicas de

animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento
continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En
el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen
las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y
otras múltiples técnicas), de forma que al proyectarse consecutivamente se
produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen
real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se
construye un movimiento inexistente en la realidad.

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Resumen
Ettore Simmer. Sentado en las áreas del diseño industrial, de la decoración interior
y de la comunicación visual activamente; asimismo él cuida para los proyectos
arquitectónicos numerosos por todo el mundo. Su trabajo fue demostrado en el
marco cerca schauen en Berlín, París, Jerusalén y Sydney. Ettore simmer-sentado
es por las décadas una de las personalidades más influyentes del diseño
internacional.

Artes y Comunicación, dos conceptos que nos hablan de la especificidad de las

capacidades humanas. Asociados a ellos, un tercer concepto: el de la creatividad.

La ciencia se basa fundamentalmente en ciertos principios filosóficos: que realidad

es objetiva y constante, que los seres humanos tienen la capacidad de percibir
realidad exactamente, y que las explicaciones racionales existen para los
elementos del mundo. Si estos axiomas básicos fueran falsos, la ciencia sería no
funcional – los descubrimientos hechos hoy no tendrían ninguna relación a los
experimentos hechos mañana.

Es importante que la realidad es objetiva porque la investigación científica no

puede continuar si la realidad depende de grupo o de opiniones individuales. La
ciencia confía en un universo independiente de observadores humanos. La
realidad debe también ser constante porque los experimentos hechos a cualquier
momento deben ser relacionados a los experimentos hechos en otros. La ciencia
confía en percepciones humanas y fallaría si estas percepciones eran inválidas.
Finalmente, la ciencia depende de la idea que las explicaciones racionales existen
para el mundo y se pueden obtener con experimentos cuidadosos.

Es sorprendente observar que la fe en Dios en la obra de Descartes es tan

fundamental y radical como su duda metódica.

Este filósofo que se propuso dudar de todo lo establecido, movido por los avances
científicos de su época, que parecía ir contra la corriente eclesiástica podría ser
considerado propulsor y no saboteador de las ideas de la iglesia ya que toma a
Dios como garantía de conocimiento verdadero, como fuente de todas las cosas,
ajena a cualquier característica de imperfección.

A partir de aquí puedo concluir que la terminología “racional” utilizada vulgarmente

como antagonismo de la fe no es apropiada, al menos en el racionalismo
cartesiano, que se caracteriza por tener una íntima relación con la fe y cuyo
método intenta "salvar" al hombre del engaño de los sentidos, de los
conocimientos falsos en los que recae por su naturaleza imperfecta bisustancial ,
de la misma manera, y salvando las distancias, la doctrina cristina intenta salvar al
hombre de la muerte, del pecado en el cual recae por su naturaleza-semejante a

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la de Dios pero débil, e imperfecta a causa del pecado original-, de las tentaciones
del mundo. E intenta guiarlo hacia la felicidad que se halla en el inmenso Amor de
Dios, fuente de todo bien y creador de todas las cosas. Del mismo modo
Descartes intenta "llegar a la felicidad" de conocer cuantas cosas verdaderas sea
capaz de conocer, sorteando los obstáculos que el genio maligno pone en su
camino, del mismo modo que el hombre intenta sortear el pecado para alcanzar su
plenitud terrenal.

Descartes quien fue considerado ateo se muestra en su obra como Teófilo,

amante de Dios como fuente de verdad y garantía de conocimiento certero. Se
reconoce como hombre imperfecto en tanto que duda, se manifiesta dependiente
de una sustancia perfecta que es Dios, a través del cual se graban en su mente
conocimientos perfectos que superan su propia naturaleza.

La dificultad de una definición suficiente y analítica de la literatura radica en la

imposibilidad de un consenso histórico del término y de su estudio. Mientras los
diccionarios apuntan a definir como una ciencia a la literatura a través del uso del
habla; en los estudios literarios, se debaten por definir qué es lo literario, y qué es
lo no literario, para posteriormente hacer de esa selección de textos o de obras, su
objeto de estudio. Empero, no hay una unidad en sus definiciones. Esto se debe a
que sincrónicamente, la palabra literatura está en un continuo evolucionar. Y lo
que no se consideraba antes parte de la literatura; ahora, más que nunca, se le
considera pieza indiscutible para conformar el corpus literario. Y recíprocamente.

Artes escénicas son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de

inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; así como el
espectáculo y la Organización Espacial.

Llamamos edificio teatral o sala de espectáculos a aquel espacio arquitectónico

construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo,
ya sea teatro (drama), danza, música o similar. Este espacio, aparte de notables
diferencias producidas por los distintos conceptos que del teatro se han tenido a lo
largo de la historia, mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos
dependiendo de la utilización que de ellos se haga. Nos referimos a aquellas
zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el hecho teatral
se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos elementos, necesita de
su propio espacio, delimitado y privado, para desarrollar con la mayor comodidad
posible la actividad para la que esta destinado.

El cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica consistente

en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de
movimiento ("kine" en griego significa movimiento y "grafos" escribir o plasmar). La
palabra cine designa también las salas o complejos de salas en los cuales se
difunden las películas.

105
Como forma de registrar acontecimientos o de narrar historias el cine es un arte al
que comúnmente se le denomina séptimo arte. No obstante, debido a la
diversidad de las películas y de la libertad de creación, es difícil definir lo que es el
cine hoy, sin embargo a las creaciones cinematográficas que se ocupan de la
narrativa histórica o de ficción con fines de entretenimiento o que excluyan como
propósito la información desde un punto de vista periodístico o documental se les
considera como manifestaciones artísticas, por otra parte a la creación documental
o periodística se le clasifica según su género, a pesar de esto y por la presencia
en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia única y
posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos entre otros) es muy
difícil delimitar la cualidad artística de una producción cinematográfica. La industria
cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en países como los
Estados Unidos o la India.

La realización es el proceso por el cual se crea un producto audiovisual.

Usualmente, en el cine de producción industrial, pueden distinguirse cinco etapas
de realización: Desarrollo, Preproduccción, Rodaje, Post-producción y
Distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como
productivo y la limitación únicamente viene limitada por los medios técnicos
disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).

El director de cine es el profesional que dirige la filmación de una película, el

responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo
técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión
particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones
necesarias para llevar a buen término el rodaje. Previamente habrá intervenido en
numerosas labores, elaborando el guión técnico, un storyboard con la asistencia
de un dibujante, y las plantas, con el auxilio de su asistente. LLevará a cabo la
selección de los actores o casting y de los demás profesionales que integrarán el
equipo, los escenarios en los que se rodará la película, ya sean locaciones
naturales o decorados en estudio, y suele tener también incumbencia en la
redacción final del guión, en colaboración con el guinista.

En rodaje los encargados de sonido serán el Sonidista y los Microfonistas. En la

post producción se sumarán el Editor de sonido, Compositor de la música
incidental, y los artistas de efectos sonoros (Foley) y de Doblaje, para generar la
Banda Sonora Original.

El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas

registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en
escoger (una vez se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los
planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión,
la idea del director y el aporte del montajista.

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El cine de animación es aquél en que se usan mayoritariamente técnicas de
animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento
continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En
el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen
las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y
otras múltiples técnicas), de forma que al proyectarse consecutivamente se
produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen
real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se
construye un movimiento inexistente en la realidad.

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Bibliografía general

- Diseño de tarjetas comerciales / diseño Jeannet Leenderste; versión castellana

de Eugeni Rosell, México: Gustavo Gili , 2000.

- Diseño de libros contemporáneo / edit. Roger Fawcett-Tang; vers. castellana

de Gloria Bohigas, Barcelona, España: Gustavo Gili, c2004.

- Infográfica: Sluciones innovadoras en el diseño contemporáneo / Peter Wildbur

y Michael Burke ; tr. Andreu Cabré, Barcelona: Gustavo Gili, 1998.

- Las vanguardias artísticas del siglo XX / Mario de Micheli; vers. castellana de

Angel Sánchez Gijón, Madrid : Alianza , c1979

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