Teatro

Rienzi el tribuno es un drama dividido en dos actos y un epílogo.Es un alegato contra la tiranía influido por la corriente renovadora del teatro historicista romántico. La pieza se estrenó en Madrid en el teatro del Circo. La representación de esta obra le concedió a Rosario de Acuña y Villanueva la distinción de ser la segunda mujer del siglo XIX que estrenaba una pieza dramática en el Teatro Español de Madrid.

El gigante Amapolases una pieza de teatro político en que se parodia la épica militar instaurada por el tirano Juan Manuel Rosas en la Argentina del siglo XIX.En algún momento de la obra se confunden "Amapolas" y "Rosas" y hace evidente la ironía del título. Alberdi reflexiona sobre el ímpetu revolucionario, la exaltación bélica y la ausencia de un marco legal que conduzca a las fuerzas del cambio hacia una salida realista. A lo largo de la obra se enfrentan con suprema ironía dos extraños ejércitos ilusorios que se combaten ignorándose unos a otros y erigiendo símbolos y valores imaginarios que les sirven de identidad.

En esta antología, dirigida a niños de nueve a más años, se han compilado cuatro excelentes piezas (de Argentina, Kosovo, México y Brasil respectivamente) que logran un balance entre situaciones dramáticas y cómicas. La primera obra, "Malas palabras", de la argentino-mexicana Perla Szuchmacher, ofrece una perspectiva fresca sobre el tema de la adopción, y permite un montaje sin muchos recursos materiales; la segunda "Ojos de gato", del kosovar Jeton Neziraj, aborda las consecuencias de un entorno violento y excluyente en el que, sin embargo, nunca se pierde la esperanza; la tercera, "La Maquinota", del mexicano Ignacio Padilla, motiva, por medio del humor, a reflexionar sobre el apego excesivo que el hombre tiene por los aparatos del tiempo, y la última, "Dime de qué presumes", del brasileño Amauri Falseti, recoge en una adaptación muy latina diversos relatos de tradición oriental acerca de la codicia y el peligro de envanecerse, todo enriquecido con el gran condimento del humor. Volumen pensado para grupos de teatro profesionales o aficionados, o bien para sencillas escenificaciones en la escuela. Cada pieza está antecedida de una introducción y útiles orientaciones para montajes con niños.

La dama del alba es una obra de teatro escrita por Alejandro Rodríguez Álvarez, más conocido bajo el seudónimo Alejandro Casona, y estrenada en el Teatro Avenida, de Buenos Aires, el 3 de Noviembre de 1944. Ambientada en la Asturias rural, Martín es un joven taciturno y triste. Anda así tras la desaparición de su esposa Angélica, ahogada unos años antes en la represa del molino. Vive en una casa de labranza con su familia política: - la madre, - el abuelo - y tres niños (Andrés, Falín y Dorina).Un buen día aparece una peregrina, la dama del alba, mujer mayor y reservada. La acogen con hospitalidad. Martín, en una noche de gran nevada, rescata a Adela, una joven desesperada dispuesta a acabar con su vida. Con el paso de los días, los jóvenes, Martín y Adela, se enamoran y formalizan su compromiso con el beneplácito de toda la familia. En las hogueras de una noche de San Juan, Martín y Adela confirman su noviazgo. Justo ese día la peregrina anciana vuelve otra vez a la casa, que encuentra vacía, pues todos sus habitantes están en la fiesta del pueblo. Sin embargo, de imprevisto, aparece Angélica, a quien todos creían muerta. En un dramático diálogo entre ambas, descubrimos la verdad. La novia no había muerto ahogada, sino que se había fugado con un amante. Tras maltratos y vejaciones de todo tipo, decide volver a su casa, asumiendo el desprecio de los demás. La dama del alba, que en realidad representa la muerte, ha venido a recogerla, pues tenía una cita con ella. La anciana misteriosa logra persuadir a Angélica para que acepte que su llegada sería negativa para todos y que lo mejor es que realmente se deje llevar por las aguas del remanso del molino. La dama del alba está llena de diálogos en que los personajes intentan desentrañar qué les supone el destino, quién es la Peregrina, qué influjo tiene sobre ellos y qué les puede deparar su presencia. Dudan en vano, los acontecimientos transcurren por sí mismos y poco pueden hacer para detenerlos. Alejando Casona consideraba La dama del alba como su obra favorita. Como sucede en otras obras del autor, la pieza presenta el conflicto entre realidad y fantasía, y otros temas recurrentes del mundo de Alejandro Casona: - el suicidio, - la belleza de la muerte, - la fuerza del amor - o la incesante búsqueda de felicidad.En palabras del autor «está dedicada a mi tierra de Asturias, a su paisaje, a sus hombres, a su espíritu».

Una de las obras más impactante de las últimas décadas, escrita por un autor que está revolucionando el teatro. David Fernández Rivera, en Hipnosis / La colonia nos traslada a un mundo donde sus habitantes cubren sus cabezas con máscaras de gas, sin ser conscientes de ello. En una suerte de cueva de Platón abierta al sol, de "cárcel libre", trabajan ciegos a su belleza y a la belleza del mundo para un fin común e insospechado: la destrucción de la Colonia y de todo lo que se halla alrededor. Una inquietante y hermosa alegoría de las ciudades modernas y sus sociedades alienadas que marcará un antes y un después en el teatro contemporáneo. Ángel Padilla

A Gil Vicente sólo lo conocemos por sus textos dramáticos, que son los más innovadores de la Cristiandad entre 1502 y 1536. Los escribió y representó en las fastuosas cortes de Manuel I y João III de Portugal, durante la época de máxima expansión política y mercantil de aquel imperio por Africa, el Brasil y la India. En este contexto, su teatro se convirtió en una mercancía cultural y, sobre todo, en un laboratorio para la acción y el discurso tal como los entendían Aristóteles y Hanna Arendt. Las farsas de Gil Vicente aquí reunidas por primera vez en español son las más sugerentes por su criticismo y por el diálogo que son capaces de entablar con un lector actual, salvada la distancia lingüística e histórica mediante las notas y la introducción.

Berta Hiriart, mujer de teatro y de letras, reúne aquí cuatro obras teatrales contemporáneas a las que niños y niñas a partir de los cuatro años pueden acercarse, ya sea como actores, lectores o espectadores: "Que las hay… las hay" de la argentina María Inés Falconi (una divertida disputa entre una bruja no demasiado mala y un hada no enteramente bondadosa), "¿Qué tan alto es arriba?" del inglés Brendan Murray (una delicada reflexión sobre la pérdida y el ciclo de la vida), "Uga" de la mexicana Haydeé Boetto (una obra para la comprensión de la sordera y la discapacidad) y "Una historia de gemelos" de la propia Berta Hiriart (un llamado a la igualdad de derechos entre niños y niñas). Volumen pensado para grupos de teatro profesionales o aficionados, o bien para sencillas escenificaciones en la escuela. Cada pieza está antecedida de una introducción y útiles orientaciones para montajes con niños.

Sostenes es cinco mujeres en drama y también otra mujer en drama pero ausente. Son mujeres que hablan, se dicen, se confiesan, mienten, se sinceran, se hieren. Son mujeres que nunca se quitan el sostén, si se lo quitaran, las familias que sostienen, las relaciones, las situaciones que sustentan, se vendrían abajo. Sostenes es el homenaje a una generación de mujeres que han sostenido, sostienen y cuyas hijas también serán sostenes en el futuro.

Los intereses creados es una de las obras teatrales más conocidas de Jacinto Benavente. Tiene el subtítulo de «comedia de polichinelas en dos actos, tres cuadros y un prólogo». Se estrenó el 9 de diciembre de 1907 en el madrileño Teatro Lara. Según apuntó el literato Dámaso Alonso, la fuente de inspiración de esta obra fue El Caballero de Illescas de Lope de Vega. Los intereses creados tiene el tono de una obra picaresca con aliento clásico. Jacinto Benavente construye una trama divertida y rápida. Relata la historia de dos personajes (Leandro y Crispín) quienes llegan a una ciudad y, timo tras timo, consiguen convertirse en próceres locales. Los intereses creados parodia el mito de cómo se consigue poder y notoriedad. Aquí se forjan falsas alianzas que sirven para que otros aprecien el talento, la hidalguía o el buen de hacer de dos timadores. La obra se ocupa de hacer evidente que carecen de semejantes atributos. En cierto modo disecciona la forma en que la notoriedad vana permite que seamos sobrevalorados. Hasta el punto en que, una vez hecho evidente el juego, nadie se atreve a admitir su propia frivolidad, mezquindad y vanagloria. Se han mencionado obras de diversos autores como posibles antecedentes de esta comedia: Moliere, Regnard, Beaumarchais, Ben Jonson, Goldoni, y, claro, la comedia dell'arte. El mismo Benavente escribió: «No ha faltado en torno de Los intereses creados  —¿cómo no?— el mosconeo acusador de plagio. Y tan plagio. Los intereses creados es la obra que más se parece a muchas otras de todos los tiempos y de todos los países. A las comedias latinas, a las comedias del arte italiano, a muchas obras de Moliere, de Regnard, de Beaumarchais. A la que menos se parece es, justamente, a la que más dijeron que se parecía, al Volponeoriginal de Ben Jonson.»

El personaje protagonista de El antecristo es una figura demoníaca con rasgos propios del antihéroe trágico griego. Ello dota a esta obra de una extraordinaria modernidad, preludio de lo que será tiempo después, la literatura romántica. El antecristo es una manifestación práctica de la nueva forma de dramaturgia que proponía Félix Lope de Vega. Desde su publicación El antecristo no ha estado exenta de polémica. En ese momento porque se equiparaba, en contenido y originalidad, con la obra de Juan Ruiz de Alarcón del mismo nombre y, en estudios posteriores, porque se debate constantemente su posible autoría y su calidad literaria. Es famoso el enfrentamiento de Lope de Vega con su enemigo Ruiz de Alarcón. Se cuenta que en 1623, el día del estreno de la obra del autor mexicano, Lope derramó en el patio de comedias una especie de aceite pestilente. Según otras versiones, lo vertió en las candilejas lo que hizo que muchos de los asistentes se desmayaran. Este acto de Lope parece que fue incitado por las similitudes que la comedia de Ruiz de Alarcón tenía con la obra de Lope, al tratar el mismo tema bíblico.

Noches lúgubres es la gran obra del escritor y militar José Cadalso. Sin embargo, fue un libro que nunca llegó a publicar en vida. Fue siete años tras su muerte, en 1782, cuando por vio la luz siendo editado en cuatro partes por el periódico el Correo de Madrid. Por su tono infractor y subversivo, Noches lúgubres compareció más de una vez ante el tribunal de la Inquisición y se hicieron de ella varias versiones adecuadas a los ideales de la época. Se entiende que, por su contenido, desde las primeras ediciones se trató de darle un tono moral a la obra. Por medio de modificaciones en el texto o por los prólogos de los editores se intentaba que este libro se impregnase de un tono más moralista, que pudiera hacerla admisible ante la censura o ante los criterios dominantes. Noches lúgubres nos narra la historia de Tediato a lo largo de tres noches especialmente lúgubres. Tediato, su protagonista, dialoga con Lorenzo, el sepulturero del cementerio en que está enterrada Filis, la amada de Tediato. Pretende desenterrar el cadáver para llevarlo a casa y suicidarse, incinerándose a sí mismo junto los restos de la amada. En la primera noche, cuando están a punto de lograrlo, empieza a salir el sol y deben parar. En la segunda, lo confunden con un asesino y lo encarcelan; se topa con el hijo de Lorenzo y conoce las desgracias de la vida de su amigo. Y en la última noche, se ve cómo se marchan para seguir con su cometido. Ninguno de sus deseos puede llevarse a cabo porque noche tras noche los sucesos los interrumpen, y ello lo acaba sumiendo en un negativismo vital. Noches lúgubres es una obra oscura, llena de pesimismo y presagios, escrita siguiendo la moda de los Nights thoughts de Edward Young.

Cualquier lugar, cualquier día es una crítica a los intereses espurios, a la maldad racionalizada y a la voluntad manipulada. Es un llanto seco y doloroso contra la injusticia que no aparece en los libros, que no registran las crónicas ni los cantares de gesta. También es una mano abierta que se ofrece, sutil y hermosísima como un tallo incipiente. Es una manifestación susurrada de las posibilidades con que, incluso en el peor de los casos, cuenta el hombre. Es el deseo de reivindicar el teatro como objeto útil, necesario no para el ruido sino para el aprendizaje. A través de 15 piezas breves situadas en distintas épocas históricas, el autor ofrece una visión crítica sobre la incompatibilidad entre la destrucción que la actividad bélica conlleva y la creación que el resto de actividades humanas tratan de conseguir. Publicada por primera vez en 2006, traducida al inglés y al francés, analizada en varios festivales europeos de teatro y estrenada en 2008 en Cádiz, se trata de la obra de Ignacio Pajón Leyra que mayor difusión nacional e internacional ha alcanzado.

Con quien vengo vengo de Pedro Calderón de la Barca es una comedia de enredos amorosos con un argumento lleno de equívocos, cambios de identidades, disfraces y nocturnidad. Los personajes principales de la comedia son dos parejas de damas y galanes: - don Juan y Otavio - y Leonor y Lisarda; - un viejo, padre de don Juan,   - y un caballero, don Sancho, hermano de Leonor y Lisarda. - A ellos se suma la figura del gracioso, Celio.La acción se desarrolla en Verona, donde don Juan y Otavio —amigos desde los tiempos de estudiantes en Bolonia— se encuentran porque este último tiene que cumplir una misión secreta, para lo cual se aloja en casa de don Juan. La misión secreta de Otavio es vengarse de don Sancho, hermano de las dos damas, a causa de una antigua contienda amorosa. El personaje de don Juan se enfrenta con la tesitura de defender a su amigo Otavio; o a don Sancho, también amigo, hermano y guardián de la honra de Leonor. Don Juan acude con Otavio a una comprometida cita amorosa con Leonor, a medianoche, y son sorprendidos por don Sancho, en tal circunstancia. Don Juan resuelve el dilema que se le plantea en tal coyuntura poniéndose de parte de Otavio porque es con él con quien ha acudido a la cita. De ahí el título de esta obra: Con quien vengo, vengo.

A secreto agravio, secreta venganza, de Calderón de la Barca, pertenece al ciclo de comedias inspiradas en el tema de los celos o la venganza en nombre del honor.Otras obras son El médico de su honra, El pintor de su deshonra, El mayor monstruo, los celos, etc. La acción de A secreto agravio, secretavenganza transcurre en Lisboa, donde don Lope de Almeida, un hidalgo casado por poderes con la castellana Doña Leonor de Mendoza, descubre que un antiguo amante de su esposa, que ella creía muerto en el momento de la boda, intenta ahora deshonrarlo. De manera que Don Lope mata a su enemigo y después, siempre en secreto, como indica el título de la pieza, quema a doña Leonor en su palacio.

Finisterrae es una obra fronteriza en sí misma. No sólo por el juego que establece con el límite entre la literatura y la música, entre el puro texto teatral y el libreto operístico, sino también porque el sentido poético del que Abel Neves dota a esta pieza quiebra las fronteras entre los géneros establecidos. Encontramos aquí una nueva forma de teatro poético a la vez que de poesía dramática. Una alegoría profana en la que el propio espacio de la acción hace referencia a ese carácter fronterizo de la península ibérica. Portugal es, como España, frontera entre el viejo y el nuevo mundo. Y nada simboliza tan bien ese carácter que comparten nuestros países como el nombre que los romanos le dieron. Finis terrae, el fin del mundo.

El divino Jasón pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Calderón de la Barca. Fragmento de la obra Acto único (Salen Jasón divino y Argos con muchos ojos sembrados por el vestido.) Jasón: Argos, oye. Argos: Soy Amor; vigilante Argos seré, y al mismo cielo daré espanto con mi valor. Fabricaré de mi nombre un peregrino bajel que rompa ese mar, y en él a los mortales asombre. Haré la primera nave; sirena será esta vez; no es medio cuerpo de un pez ni es medio cuerpo de un ave, pero en las ondas y vientos, ya nadando y ya volando será un escollo, triunfando de todos los elementos.

Se conservan media docena de piezas teatrales de Luis Belmonte Bermúdez; la más celebrada es El diablo predicador, y mayor contrario amigo. Apareció como escrito anónimo por el desenfado y libertad de algunos caracteres, y solo tuvo problemas con la censura muchos años después. Sus contemporáneos vieron en ella una exaltación de la orden franciscana y de la práctica de la caridad, pero después se entendió como una crítica anticlerical a causa del gran personaje cómico del lego fray Antolín. En El diablo predicador el demonio es castigado por San Miguel, a causa del hambre que hace pasar a una comunidad franciscana, a pedir limosna para ellos y el mismísimo diablo se transforma en predicador.

Quién hallará mujer fuerte pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. Su argumento se fundamenta en dos momentos diferentes del Antiguo Testamento. El que le da título, es del libro bíblico de los Proverbios donde aparece la pregunta: «¿Quién hallará una mujer fuerte?». Esta es la pregunta que hace, en la apertura del auto, el personaje alegórico de Sabiduría a las cuatro virtudes cardinales, y luego a Mundo, proponiéndoles, como un certamen, encontrar a la mujer que se menciona en los Proverbios. También aquí se alude al pasaje del Génesis en que una mujer que se considera tradicionalmente como la Virgen se enfrenta a un dragón.

Tres jubilados, dos hombres y una mujer, se encuentran en un parque. Un artista, una mujer vestida de blanco paseando perros rodantes y un fascista extorsionador. La mujer en un momento dado, invita a los dos hombres a vivir con ella. La curiosidad y la soledad de los hombres les anima pero cuando ellos se enteran de que se trata de una mujer viuda de cuatro maridos desaparecidos extrañamente, empiezan a dudar... Es la historia de tres soledades en busca de un objetivo: la felicidad final.

En el ring, un joven Buñuel se enfrenta a sus fantasmas: la creación, el arte, la borrachera de los 20 y la resaca del 36. Un combate -el suyo, el nuestro- entre el tiempo y la fugitiva juventud. Y entre golpes y quiebros de cintura, el púgil intentará encontrar su propio yo. Una búsqueda a través de la amistad, de los recuerdos y, cómo no, también de una historia -la del siglo XX- convulsa y errática. Este Tour de force es un viaje a través de las dudas que nos provoca no saber quiénes somos. Del miedo que nos da llegar a averiguarlo. De la ansiedad que sentimos cuando lo averiguamos... Dejen que sus fantasmas nos acompañen. Díganles que salten a la lona. Es el momento de que sus pesadillas compartan, junto a nuestro púgil, el escenario.

Amado y aborrecido. Pedro Calderón de la Barca Fragmento de la obra Jornada primera Salen por una parte Dante, y por otra Aurelio Aurelio: ¿Dónde queda el rey? Dante: Detrás de esos ribazos le dejo, en el alcance empeñado de un jabalí, cuyo riesgo veloz Aminta su hermana sigue también. Aurelio: Según eso, ocasión será de que concluyamos nuestro duelo, con la novedad que está citado. Dante: Para ese efecto esperando estaba a vista de este edificio soberbio. Aurelio: Pues llegad; solos estamos. Dante: ¡Ah del soberano centro donde aprisionada vive toda la región del fuego! Aurelio: ¡Ah de la divina esfera del Sol más hermoso y bello que, a pesar de opuestas nubes, abrasa con sus reflejos!

Alumnos, profesores, odio, amor, Romeo y Julieta, teatro, vida, realidad, cosas, música, baile, clases y clases, Paloma que se enamora de Agus, Agus que se enamora de Dámaris, Dámaris que se emborracha, un profesor nuevo que crea un grupo de teatro para representar Romeo y Julieta, Agus que es Romeo, Dámaris que es Julieta y, sin embargo, al final, Paloma, como Julieta, besa a Agus como Romeo, teatro y realidad, vida y ficción, clases y clases.

En la Comedia de San Francisco de Borja, de Matías de Bocanegra, se relata la historia de la emperatriz Isabel de Portugal quien murió en 1539. Poco después su cadáver fue llevado a Granada, según deseo del emperador Carlos V. El cadáver de la bellísima emperatriz fue escoltado por nobles y militares y, al llegar a la entrada de Granada el 16 de mayo de 1539, su ataúd fue abierto para verificar su contenido. Al ver en qué estado habían quedado los restos de la hermosísima Isabel, Francisco de Borja dijo: "Ya no serviré más a señor que se pueda morir". Y entró en la Compañía de Jesús, dando pie al argumento de la Comedia de San Francisco de Borja. El Papa Clemente XI lo canonizó en 1671 como san Francisco de Borja.

Primero fue la muerte y luego la conciencia que dio paso al orbe. Sometidos a una fuerza implacable que llamamos vida, nos enfrentamos al devenir obligado; nos entregamos al deber fatal de llenar los instantes, de justificar los ahoras. Frente a una soledad cósmica inexplicable, los personajes de La carretera harán lo que sea por sobreponerse. Como moléculas agitándose al azar en un caldo de tedio y sinsentido, echarán mano del odio, la alegría, el absurdo, la estupidez, el insulto, la mentira, la amistad, la locura, la cobardía, la pereza, el amor increíble, la tentación del valor, la inercia... todo con tal de poder contarse algo mientras se mueven. En este camino sin gloria, un ser habla con otro sin que sepamos nunca dónde empieza la realidad y termina la ficción, dónde el espacio físico y el espacio mental, y sin que logremos adivinar sus biografías ni el tiempo que habitan. Bajo una sucesión de presentes amenazante de ausencias, el lenguaje acudirá en su ayuda; y los proyectos soñados por su gramática, no solo llenarán de palabras sus pasos, sino que justificarán la invención de un destino al que entregarse gracias a la sesuda labor de un ingeniero que traza puentes de la tiranía a la libertad, del aquí al allí, de la mentira a la verdad, del ayer al mañana, de la tierra al cielo. En definitiva, La carretera es una modesta fábula de la historia del universo humano, un cuento fuera del tiempo y del espacio, cuyas aventuras se ambientan por igual entre dos centurias que entre dos instantes.

A María el corazón pertenece al ciclo de autos sacramentales de Pedro Calderón de la Barca. Los autos sacramentales son obras religiosas de carácter alegórico representadas sobre todo en España y Portugal durante el Corpus Christi. Este género ocupa un papel muy interesante en la tradición teatral de Occidente, pues coexistió, antes de desaparecer, con una incipiente y cada vez más popular narrativa escénica interesada en los individuos, y en los sucesos mundanos.

Entre las numerosas creaciones de los hermanos Álvarez Quintero destaca Doña Clarines. La acción transcurre en un pueblo de Castilla. Doña Clarines, el personaje principal, representa la verdad, la justicia, la rectitud y la bondad. La obra fue estrenada en el Teatro Lara de Madrid el 5 de noviembre de 1909. Los hermanos Álvarez Quintero cultivaron un teatro local con gran éxito, y ambientaron sus comedias dentro de la tradición andaluza. Las obras de los hermanos Quintero renuevan la tradición del sainete, del entremés, y la comedia de costumbres, marcada por el sentimentalismo y la comicidad.

A Sara siempre le gustó este barrio. Se nota que es una zona "bien". Y ella, para qué negarlo, es una chica "bien". El piso que le ofrece el agente inmobiliario reúne todas las características que desea: bajo precio, amplitud, luz y unas hermosas vistas de la sierra. Tan solo presenta un pequeño "inconveniente": la dueña del piso vivirá en él hasta el día de su (inminente) fallecimiento. Lola (de más de setenta años) ha sido operada del corazón en tres ocasiones y sin duda no aguantará mucho más. Sobre todo si sigue fumando una cajetilla diaria. Y bebiendo todo lo que se le pone por delante. Sí, Sara decide dar el paso, comprar el piso y esperar... Pero ya sabemos que los acontecimientos no se desarrollan siempre tal y como uno los había planeado. En primer lugar, Lola sigue gozando mes tras mes de una envidiable salud. Y segundo, y más grave, la propia vida de Sara es la que empieza a desmoronarse, con nuevos y sorprendentes acontecimientos. Entre las dos mujeres, tan distintas y tan parecidas en su soledad, surgirá una amistad plagada de risas, ternura, emoción y complicidad.

Andrómeda y Perseo pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. En 1653 se representó, en el Coliseo del Buen Retiro, Andrómeda y Perseo. Esta obra se creó para ser representada, en buena parte, en forma musical. Fue escrita por encargo de la joven infanta María Teresa para celebrar la recuperación de su madrastra, la reina Mariana de Austria, restablecida de una enfermedad que se pensó grave. La obra se escenificó varias veces ante toda la corte con gran éxito. Al final se hizo copiar en un manuscrito que se envió a la otra rama de la familia real, en Viena. El manuscrito está hoy en la Houghton Library la universidad de Harvard. Es uno de los poquísimos ejemplos conservados que permiten tener una idea de la sofisticada magnificencia de este tipo de representaciones, más allá del propio texto. Conserva la música que en tantas ocasiones acompañaba las representaciones de nuestro teatro clásico y también los diseños, plenos de detalles, que revelan la complejidad de las tramoyas empleadas y permiten seguir la obra desde que se alza el telón hasta su última escena.

La residencia de personas mayores Virgen del Prado está ubicada en un lugar inhóspito, sin comunicación con el exterior y, recibe, por lo general, pocas visitas. Es un caldo de cultivo donde se dan situaciones extrañas y, a la vez, cargadas de mucha humanidad. Generalmente solo las personas mayores y los que allí trabajan saben lo que se cuece dentro de sus cuatro paredes. A pesar del deterioro físico que supone la vejez en su interior ellos guardan la juventud. El alma no tiene edad. Mantienen los recuerdos, la ilusión, la esperanza, la rebeldía. Son personas y, por lo tanto, tienen vida. Los mayores primero, intenta, con algunas chispas de humor e ironía, presentar diferentes situaciones cotidianas de un centro geriátrico. Cómo es el día a día allí. Es una historia del otro lado. De esos lugares a los que no solemos asomarnos. Cada vez se escriben más obras de teatro que tienen como tema central el mundo de las personas ancianas. Los mayores primero se suma a esta tendencia. Quiere recordarnos que, aunque no los veamos, ellos también existen.

Amor, honor y poderes la primera comedia atribuida con certeza a Calderón de la Barca.Se estrenó en Madrid, en el viejo Alcázar, el 29 de junio de 1623, por la compañía de Juan Acacio Bernal. La obra contiene en el título los tres ejes fundamentales de la acción, y se basa en la historia ejemplar titulada "Cómo Eduardo III, rey de Inglaterra, se enamoró de la condesa Salveric y cómo después de haberla seguido por muchas vías, se vino a casar con ella".